Ima Picó

Ima Picó - Instalaciones murales

2011-11-04T06:13:00.000-07:00

Una característica muy notable en la obra de Ima Picó es la de incorporar el espacio como elemento determinante en el propio significado de la obra. El espacio, ya sea público o privado, le sirve en primer lugar como referente, como inspiración, es de donde captura muchos de los signos que luego reinterpreta y dan contenido, tras un proceso creativo, a la obra de arte definitiva. Obras que se adecuan perfectamente a cualquier tipología de lugar, independientemente del uso al que esté destinado. Ima Picó es consciente de la obsolescencia de la obra y es ese carácter efímero el que le da credibilidad a la misma pues todos esos elementos que le sirvieron de inspiración vuelven, una vez compilados en un lenguaje tan personal como el suyo, al público. La posibilidad de trabajar en espacios no definidos para la exhibición de arte le da ese carácter diferente, fresco, que tiene el Graffiti. La pared no es exclusivamente un área de representación a modo de lienzo sino más bien un lugar vivo en el que se puede ir interviniendo progresivamente. Es dinámico, va más allá de la pura idea contemplativa de la obra expuesta.

Txt_Toni_Calderón

Últimas instalaciones murales:

Ima Picó participa en GRAFIKA. 30 ARTISTAS DE LA ESPAÑA JOVEN

2011-09-24T22:49:00.000-07:00

El Instituto Cervantes y Contemporánea Presentan:

GRAFIKA. 30 ARTISTAS DE LA ESPAÑA JOVEN

Esta exposición colectiva podrá visitarse en Madrid, en la sede del Instituto Cervantes del 7 de octubre 2011 al 15 de enero 2012.

INSTITUTO CERVANTES

Calle Alcalá, 49

28014 Madrid

Horario: De martes a domingo, de 11 a 20 horas.

Tel. +34 91 436 76 00

Organizan: Instituto Cervantes y Contemporánea Comisariado: Mario Martín Pareja

Artistas: Rorro Berjano, Javier Calleja, Alex Castañeda, Eltono, Fernando Elvira, Eme, Freak La Notte, Nuria Mora, Sergio Mora, Daniel Muñoz (SAN), Nano4814, El Niño de las Pinturas, Okuda San Miguel, Carlos Orta, Ima Picó, Silvia Prada, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J.J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, Suso33, Antón Unai y Zosen.

“Gráfika. 30 Artistas de la España joven” es una exposición de pintura, grafiti, escultura, fotografía, vídeo, objetos, arte múltiple y ediciones varias que explora el trabajo de un grupo diverso de artistas visuales nacidos en los años 70 y 80. Estos creadores provienen de diferentes disciplinas como el graffiti, la pintura, el muralismo o la ilustración, y surgen en la cultura del "hazlo tú mismo".

Lo que comenzó como un fenómeno alternativo, crítico con el sistema y al margen de la ley, ha alcanzado tal repercusión y admiración entre público y especialistas, que ya se expone en los espacios institucionales e, incluso, es utilizado por las grandes multinacionales, para las que algunos de los artistas colaboran y diseñan productos.

"Gráfika" es una guía imprescindible para conocer de primera mano a los protagonistas en nuestro país de ese movimiento global denominado "arte urbano". La intención de esta muestra es trasladar lo que está aconteciendo en los muros y calles de las ciudades españolas a la sala de exposiciones del Instituto Cervantes.

Comisariada por Mario Martín Pareja, "Gráfika" llega a Madrid, tras su paso por los centros que el Instituto Cervantes tiene en Ammán (Jordania) y Beirut (Líbano), y se presenta también de forma paralela, en los meses de septiembre y octubre, en el Instituto Cervantes de Burdeos (Francia), continuando después su itinerancia por diferentes centros de la red del Instituto Cervantes, durante todo el año 2012.

Con esta exposición, y tras las exitosas "Usa Today. Una aproximación al Arte Norteamericano del siglo XXI", vista en España por más de 20.000 personas, y "Gráfika. A Collection of Prints by the Artists of Beautiful Losers", Contemporánea se consolida como una de las entidades europeas con más vinculación con ese fenómeno que se ha denominado "Arte Urbano" y con sus artistas más representativos, a los cuales distribuye desde www.contemporanea.org.

Scarves - limited edition

2011-06-14T11:48:00.000-07:00

These scarves have been created during my residency at Manchester Metropolitan University. The designs for the scarves have been digitally created from photographs of graffitis and publicity found in the streets in Europe and India. The scarves have been printed in the textile department with a digital textile printer onto cotton voile and crepe de Chine.

Graffiti 001. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

Graffiti 002. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm. Crepe de Chine 57cm x 140cm

Graffiti 003. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

Graffiti 004. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

India 001 blue. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

India 001 green. Crepe de chine 57cm x 140cm

India 002. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

India 003. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

India 004. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm. Crepe de Chine 57cm x 140cm

Poster 001. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

Poster 002. Cotton voile or crepe de Chine. 75cm x 75 cm

Ludus - mural intervention

2011-04-16T12:25:00.001-07:00

Ludus is a site-specific wall installation specially made for the wall of the design shop Gnomo in Valencia, Spain, composed by high quality digital images printed on vinyl.

From Thursday 14th of April to Tuesday 14th of June 2011

Gnomo

Denia 12

46006 Valencia

Spain

Ospite Inatteso - Buenos Aires

2011-04-16T12:11:00.000-07:00

Ludus

2011-03-01T10:41:00.000-08:00

Ludus. Intervención en el espacio privado

Una característica muy notable en la obra de Ima Picó es la de incorporar el espacio como elemento determinante en el propio significado de la obra. El espacio, ya sea público o privado, le sirve en primer lugar como referente, como inspiración, es de donde captura muchos de los signos que luego reinterpreta y dan contenido, tras un proceso creativo, a la obra de arte definitiva. Obras que se adecuan perfectamente a cualquier tipología de lugar, independientemente del uso al que esté destinado. Ima Picó es consciente de la obsolescencia de la obra y es ese carácter efímero el que le da credibilidad a la misma pues todos esos elementos que le sirvieron de inspiración vuelven, una vez compilados en un lenguaje tan personal como el suyo, al público. La posibilidad de trabajar en espacios no definidos para la exhibición de arte le da ese carácter diferente, fresco, que tiene el Graffiti. En concreto, este mural de Gnomo tiene estos ingredientes pero destaca sobre todo su carácter modular ya que no está concebido con idea de totalidad sino con el fin de ir agregando pequeñas intervenciones. La pared no es exclusivamente un área de representación a modo de lienzo sino más bien un lugar vivo en el que se puede ir interviniendo progresivamente. Es dinámico, va más allá de la pura idea contemplativa de la obra expuesta.

Una vez más Ima nos sorprende adecuando su trabajo a cualquier tipo de lugar y, lo más importante, si analizamos exclusivamente la obra desde un punto de vista de estilo, vemos que sigue en un proceso evolutivo, que a mi juicio, va sintetizando, eliminando lo superfluo. Es evidente que ya ha adquirido una madurez absoluta en este tipo de lenguaje que le permite trabajar con menos elementos, con mayor precisión, claridad y delicadeza. El resultado va más allá de lo puramente decorativo. Lo procesual, el contexto y el momento económico tan complicado en el que está concebido también añaden matices a esta nueva obra de Ima Picó.

Txt_Toni_Calderón

Ludus. Intervención en el espacio privado

2011-03-01T10:39:00.001-08:00

Toni Calderón

Una característica muy notable en la obra de Ima Picó es la de incorporar el espacio como elemento determinante en el propio significado de la obra. El espacio, ya sea público o privado, le sirve en primer lugar como referente, como inspiración, es de donde captura muchos de los signos que luego reinterpreta y dan contenido, tras un proceso creativo, a la obra de arte definitiva. Obras que se adecuan perfectamente a cualquier tipología de lugar, independientemente del uso al que esté destinado. Ima Picó es consciente de la obsolescencia de la obra y es ese carácter efímero el que le da credibilidad a la misma pues todos esos elementos que le sirvieron de inspiración vuelven, una vez compilados en un lenguaje tan personal como el suyo, al público. La posibilidad de trabajar en espacios no definidos para la exhibición de arte le da ese carácter diferente, fresco, que tiene el Graffiti. En concreto, este mural de Gnomo tiene estos ingredientes pero destaca sobre todo su carácter modular ya que no está concebido con idea de totalidad sino con el fin de ir agregando pequeñas intervenciones. La pared no es exclusivamente un área de representación a modo de lienzo sino más bien un lugar vivo en el que se puede ir interviniendo progresivamente. Es dinámico, va más allá de la pura idea contemplativa de la obra expuesta.

Gráfika. 30 artistas de la España jóven

2011-01-27T09:02:00.000-08:00

EL INSTITUTO CERVANTES Y CONTEMPORÁNEA PRESENTAN “GRAFIKA. 30 ARTISTAS DE LA ESPAÑA JOVEN”

The New Project: "Grafika. 30 Artists from the Young Spain" introduced by Contemporánea and Instituto Cervantes. The best guide to know the New Spanish Contemporary Artists which come from scenes such as graffiti, painting, muralism or illustration scenes.

Comienza en Ammán (Jordania) la gira de esta exposición que incluye a los artistas más destacados del arte contemporáneo actual de nuestro país.

El Instituto Cervantes y Contemporánea presentan en Ammán (Jordania) “Gráfika. 30 Artistas de la España joven”. La muestra colectiva podrá visitarse en la Galería Nacional de Jordania, del 21 de febrero al 20 de marzo.

La Galería Nacional de Jordania acogerá desde el lunes 21 de febrero esta exposición, que está organizada en este país por el Instituto Cervantes de Ammán, la Agencia Estatal de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y dicha Galería Nacional. La muestra está comisariada por Mario Martín Pareja.

“Gráfika. 30 Artistas de la España joven” es una exposición de pintura, objetos y ediciones varias que explora el trabajo de un grupo diverso de artistas visuales nacidos en los años 70 y 80, que provienen de diferentes disciplinas como el graffiti, la pintura, el muralismo o la ilustración, y surgen en la cultura urbana alternativa.

Lo que comenzó como un fenómeno alternativo, contestatario y al margen de la ley, ha alcanzado tal repercusión entre público y especialistas, que ha terminado por ser asimilado en los espacios institucionales e, incluso, por las grandes multinacionales, para las cuales algunos de los artistas colaboran y diseñan productos.

El Instituto Cervantes y Contemporánea han reunido para esta ocasión medio centenar de obras sobre papel cuyo fin es la aproximación al arte español del nuevo siglo. "Gráfika" es, pues, una guía imprescindible para conocer de primera mano a los responsables en nuestro país de ese movimiento global denominado "arte urbano".

La exposición se complementa con un apartado documental compuesto por libros, revistas, memorabilia, camisetas y objetos realizados por estos artistas; algunos de ellos diseñados para conocidas marcas. Asimismo, incluye un extenso documental con imágenes inéditas de los artistas en acción.

La intención de esta muestra es trasladar lo que está aconteciendo en los muros de las ciudades españolas a otras partes del mundo, en el contexto de ese movimiento global denominado "arte urbano".

"Gráfika", que está teniendo ya una gran repercusión mediática, dejará Ammán para continuar su itinerancia por diferentes sedes del Instituto Cervantes durante todo el año 2011: Beirut (Líbano), El Cairo (Egipto), Burdeos (Francia), y Lisboa (Portugal), entre otras.

Los artistas que integran la exposición son: Rorro Berjano, Javier Calleja, Alex Castañeda, Eltono, Fernando Elvira, Eme, Freak La Notte, Nuria Mora, Sergio Mora, Daniel Muñoz (SAN), Nano4814, El Niño de las Pinturas, Okuda San Miguel, Carlos Orta, Ima Picó, Silvia Prada, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J.J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, Suso33, Antón Unai, Zosen.

Advertise Here_

2011-01-11T10:06:00.000-08:00

Advertise Here_ is a set of eight limited edition lightfast prints on archival paper. Dimensions 59cm x 84cm each. Advertise Here_ images respond to a process of collecting urban signs and signals.

Advertise Here_ es una serie de limitada de impresiones digitales en papel archival. Dimensiones 59cm x 84cm cada una. Advertise Here_ responde a un proceso de capatación de símbología y señalización urbana.

Trespassers will be prosecuted. Ima Pico ©. 2010

This property is vacant. Ima Pico ©. 2010

Use hammer to break glass. Ima Pico ©. 2010

To be razed for urban regeneration. Ima Pico ©. 2010

Slippery when wet. Ima Pico ©. 2010

Advertise here. Ima Pico ©. 2010

Guard dogs on premises. Ima Pico ©. 2010

Thieves operate in this area. Ima Pico ©. 2010

ADVERTISE HERE_____

2010-10-14T05:44:00.001-07:00

ADVERTISE HERE_____

2010-10-01T05:33:00.000-07:00

ADVERTISE HERE_____

2010-08-28T02:28:00.001-07:00

ADVERTISE HERE_

Ima Picó

Instalación Mural en Leeds College of Art

Del 4 al 30 de octubre de 2010

Leeds College of Art

Blenheim Walk

Leeds LS2 9AQ

Inglaterra

Horario: Lunes a jueves de 10:00 a 20:00h. Viernes de 10:00 a 16:00h.

ADVERTISE HERE_ responde a un proceso de captación de signos públicos que ya forman parte del imaginario colectivo y que, dependiendo de la obra, capta la esencia propia de un lugar o entorno social. A través de una particular estética y un lenguaje propio Ima Picó crea un nuevo tipo de collage con referencias al grafiti en lo que se refiere a la disposición de los elementos que intervienen en la obra y que, al mismo tiempo, por el tipo de soporte utilizado y la herramienta para llevar a cabo la inserción de dichos signos en un conjunto unitario hacen que su trabajo tenga un gran número de posible registros o lecturas tanto en lo material como en el contenido, no olvidando que también está muy relacionado con el espacio en el cual se desarrollan las diferentes escenas.

Toni Calderón. 2010

Trespassers will be prosecuted. Ima Pico ©. 2010

This property is vacant. Ima Pico ©. 2010

Use hammer to break glass. Ima Pico ©. 2010

To be razed for urban regeneration. Ima Pico ©. 2010

Slippery when wet. Ima Pico ©. 2010

Advertise here. Ima Pico ©. 2010

Guard dogs on premises. Ima Pico ©. 2010

Thieves operate in this area. Ima Pico ©. 2010

GO_BACK

2010-05-03T23:01:00.001-07:00

Installation of the mural GO_BACK, by Ima Picó, produced by maxcomm for the exhibition cartografías de la creatividad. 100 por 100 Valencianos that will open next 12th of February in the Centro del Carmen, Valencia. GO_BACK is composed by several prints made on vinyl with matt finishing and mounted on PVC. Total dimensions are 16 metres x 2,12 metres.

Montaje del mural GO_BACK, realizado por Ima Picó y producido por maxcomm para la exposición cartografías de la creatividad. 100 por 100 Valencianos que se inaugurará el próximo 12 de febrero en el Centro del Carmen, Valencia. GO_BACK está compuesto por varias placas de vinilo de impresión mate y montado sobre soportes sandwich de 10 mm de PVC con núcleo de poliuretano. Las dimensiones totales son de 16 metros por 2,12 metros.

Photos: maxcomm

universal shipping box

2010-04-29T08:18:00.001-07:00

X

universal shipping box Buenos Aires
Del 27 de mayo al 11 de junio 2010
Jardin Luminoso
El Salvador 4112
Buenos Aires
Argentina
Inauguración: 27 de mayo a las 19:00h

Michael Baltzer, Petra Schoenewald, Frank Kästner, Anne Charnock, Carson & Miller, Antonia Schwarz, Heidi Schaefer, Cecilia Buldain, Lucila Malenky, Cristina Ghetti, Ima Picó y Andrea Racciatti.

universal shipping box is a visual art and cultural exchange project between Manchester, Berlin and Buenos Aires, involving 5 artist-led arts organisations and 13 artists. The idea of the exchange is to connect contemporary artists and curators from Europe and South America to share fresh ideas and open up new possibilities for networking and future projects between the two continents.

universal shipping box es un intercambio cultural y artístico entre Manchester, Berlin y Buenos Aires, que involucra 5 organizaciones culturales dirigidas por artistas y 13 artistas visuales contemporáneos. La idea del intercambio es conectar comisarios y artistas de Europa y Sudamérica con el objetivo de servir como plataforma para compartir ideas frescas y abrir nuevas posibilidades de colaboración para realizar futuros proyectos entre los dos continentes.

universal shipping box expondrá nuevos encargos de 13 artistas. Todos los trabajos de la exposición tendrán que ajustarse a las medidas del tamaño de caja de pizza universal de 312mm x 312mm x 40mm y explorarán los temas de cómo el concepto de lo universal puede ser interpretado en el siglo 21 a través de las distintas culturas del mundo. Como complemento en cada país habrán una serie de charlas, visitas a artistas en sus estudios y otros eventos de colaboración para reafirmar los lazos y desarrollar ideas para futuros intercambios.

splash!

2010-04-29T08:11:00.000-07:00

X
Toni Calderón

Hoy en día hay un interés claro por desbordar los límites de las obras de arte tanto en su contenido como, sobre todo, en su continente. El arte de vanguardia tiene más que ver con las nuevas tecnologías, en sus más variados formatos, que con los soportes tradicionales. Este nuevo arte que muchos lo encuadran dentro de lo digital está muy orientado a los discursos de comunicación, conectividad y virtualidad que los nuevos soportes digitales están poniendo a nuestro alcance. Ima Picó tiene mucha experiencia en esta forma de afrontar y orientar su trabajo. Su obra gráfica es un compendio de prácticas tan diversas como heterodoxas producto de sus múltiples vivencias por todo el mundo. Es conocedora de que en la cultura urbana en la que vivimos es denominador común la inserción de los más variados signos, síntoma del mestizaje actual en un mundo que hoy más que nunca, al menos en su formato de comunicación, sí se puede definir como global quizás por su inmediatez.

En un principio Ima Picó en sus representaciones se ajustaba a un formato más tradicional, muy cercano a la fotografía o la pintura pero en sus últimos trabajos se impone la inserción del espacio como elemento que define su obra. Sus creaciones ahora forman parte de una instalación que tiene mucho en común con los que se representan en espacios urbanos. Otro rasgo a tener en cuenta es la mezcla entre la técnica digital, parte primigenia donde se origina su trabajo, su posterior impresión en vinilo y el resultado lo traslada a un entorno físico. La lectura ahora es continuada con diferentes elementos que llaman nuestra atención y todos en su conjunto cierran un enorme mosaico que se define como una gran obra única en este ejemplo lineal que sitúan al espectador en el centro y quizás, lo más importante, traspasa los límites de la galería permitiendo al transeúnte disfrutar, por unos segundos, de un lenguaje muy personal que con el tiempo definen un estilo muy elaborado que siempre recuerda a Ima Picó, objetivo que persigue cualquier artista, el ser reconocido por sus obras.

Toni Calderón 2009

universal shipping box

2010-04-28T03:34:00.000-07:00

X

universal shipping box Buenos Aires
Del 27 de mayo al 11 de junio 2010
Jardin Luminoso
El Salvador 4112
Buenos Aires
Argentina
Inauguración: 27 de mayo a las 19:00h

Michael Baltzer, Petra Schoenewald, Frank Kästner, Anne Charnock, Carson & Miller, Antonia Schwarz, Heidi Schaefer, Cecilia Buldain, Lucila Malenky, Cristina Ghetti, Ima Picó y Andrea Racciatti.

universal shipping box will exhibit newly commissioned work from 13 artists. All works made for the exhibition will fit into a universally sized ‘pizza’ flat box for shipping, 312mm x 312mm x 40mm, and will explore the question of how the concept of the universal can be interpreted in the 21st century across the globe. In addition in each country there will be a series of talks, studio visits and networking events to strengthen the links and develop ideas for future exchanges.

universal shipping box expondrá nuevos encargos de 13 artistas. Todos los trabajos de la exposición tendrán que ajustarse a las medidas del tamaño de caja de pizza universal de 312mm x 312mm x 40mm y explorarán los temas de cómo el concepto de lo universal puede ser interpretado en el siglo 21 a través de las distintas culturas del mundo. Como complemento en cada país habrán una serie de charlas, visitas a artistas en sus estudios y otros eventos de colaboración para reafirmar los lazos y desarrollar ideas para futuros intercambios.

El Pais. 12 Febrero 2010

2010-03-07T01:08:00.001-08:00

Heavy Duty - encuentros transmigratorios

2010-03-04T11:41:00.000-08:00

Red Nómade y Break Point presentan Heavy Duty, un proyecto que une artistas de Nueva York, Paris y Valencia. Los esperamos en Quart Jove, el jueves 4 de Marzo, Calle de la Torreta 1, Quart de Poblet, Valencia.

Artistas participantes:

Ana Esteve (Us), Andrea Racciatti, Juan Bobbio (Ar), Annie Bascoul (Fr), Carolina Loyola (Us), Caroline Forrest (Fr), Cecilia Alvarez (Es), Cecilia Biagini (Us), Claudia Martinez (Es), Cristian Peralta (Es), Cristina Ghetti (Es), Damien Catera (Us), Elias Perez (Es), Fernando Cortiglia (Es), Filipos Tsitsopoulos (Es), Ima Pico (Es), Jaume Marco (Us), Jorge López (Es), José Luis Cueto (Es), Juanli Carrión (Us), Laureano Nuñes (Es), Martin Buordanove (Fr), Michelle Forsyth (Us), Miguel Almiron (Fr), Montse Arbelo, Joseba Franco (Es), Nuria Rodriguez (Es), Patricia Aragón (Es), Patrick Loughran (Fr), Rafael Bueno (Us), Ruth Gurvich (Fr), Sergio Zavattieri (Es), Virginia di lazzaro (Es), Walter Markham (Us), Yann Delacour (Fr)

El Pais. 12 Febrero 2010

2010-02-15T03:14:00.000-08:00

GO_BACK

2010-02-04T11:28:00.001-08:00

Photos: maxcomm

Cartografías de la creatividad.

2010-02-02T07:03:00.001-08:00

X
Cartografías de la creatividad.
100% Valencianos.

Inauguración 12 de Febrero 2010 a las 20:00 h.

Centro del Carmen
Calle del Museo 2 - 4
46003 Valencia
Tlf.: 963 913 399

HORARIO
De martes a domingo, de 10.00 a 20.00 hrs.
Lunes cerrado.

splash!!! video en arte10

2009-12-01T10:08:00.000-08:00

splash!!!

2009-11-14T23:56:00.001-08:00

22/10/2009 >> 26/11/2009

Sala de exposiciones Lametro

Estación de metro Colón
Plaza Los Pinazo. 4604 Valencia
lametro@gva.es

Horario: martes a sábado de 11.00 h a
14.00 h y de 16.00 h a 20.00 h.

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

Foto: Remigi Miguel

splash!!! Reseña en prensa

2009-11-13T03:36:00.000-08:00

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splash!!!

2009-10-06T08:45:00.000-07:00

Inauguración:
22/10/2009 >> 20.00 h.
Exposición:
22/10/2009 >> 26/11/2009

Sala de exposiciones Lametro
Estación de metro Colón
Plaza Los Pinazo. 4604 Valencia
lametro@gva.es
Horario: martes a sábado de 11.00 h a
14.00 h y de 16.00 h a 20.00 h.

Esta instalación concebida específicamente para Lametro está compuesta de imágenes digitales de alta resolución creadas a partir de la manipulación de fotografías tomadas en el entorno urbano, impresas en vinilo adhesivo y pegadas en la pared. El trabajo explora la saturación mediática en la cultura contemporánea y la consecuente devaluación de la información que se intenta transmitir. Esta devaluación de la información se puede ver en nuestras calles y ciudades, lugares constantemente invadidos por textos y diseños que no comunican ninguna información esencial y son a menudo confusos. Mi trabajo incorpora esos signos, exagerándolos y reconfigurándolos con el propósito de construir imágenes que expresen una sensación de colapso. El resultado son representaciones caóticas, texturas y formas que usan la imaginería tomada del lenguaje de la cultura visual y de la calle.

Ima Picó 2009

Hoy en día hay un interés claro por desbordar los límites de las obras de arte tanto en su contenido como, sobre todo, en su continente. El arte de vanguardia tiene más que ver con las nuevas tecnologías, en sus más variados formatos, que con los soportes tradicionales. Este nuevo arte que muchos lo encuadran dentro de lo digital está muy orientado a los discursos de comunicación, conectividad y virtualidad que los nuevos soportes digitales están poniendo a nuestro alcance. Ima Picó tiene mucha experiencia en esta forma de afrontar y orientar su trabajo. Su obra gráfica es un compendio de prácticas tan diversas como heterodoxas producto de sus múltiples vivencias por todo el mundo. Es conocedora de que en la cultura urbana en la que vivimos es denominador común la inserción de los más variados signos, síntoma del mestizaje actual en un mundo que hoy más que nunca, al menos en su formato de comunicación, sí se puede definir como global quizás por su inmediatez.

En un principio Ima Picó en sus representaciones se ajustaba a un formato más tradicional, muy cercano a la fotografía o la pintura pero en sus últimos trabajos se impone la inserción del espacio como elemento que define su obra. Sus creaciones ahora forman parte de una instalación que tiene mucho en común con los que se representan en espacios urbanos. Otro rasgo a tener en cuenta es la mezcla entre la técnica digital, parte primigenia donde se origina su trabajo, su posterior impresión en vinilo y el resultado lo traslada a un entorno físico. La lectura ahora es continuada con diferentes elementos que llaman nuestra atención y todos en su conjunto cierran un enorme mosaico que se define como una gran obra única en este ejemplo lineal que sitúan al espectador en el centro y quizás, lo más importante, traspasa los límites de la galería permitiendo al transeúnte disfrutar, por unos segundos, de un lenguaje muy personal que con el tiempo definen un estilo muy elaborado que siempre recuerda a Ima Picó, objetivo que persigue cualquier artista, el ser reconocido por sus obras.

Toni Calderón 2009

Transfer Lounge

2009-08-04T11:05:00.001-07:00

TRANSFER LOUNGE is a project that involves art professionals from Spain and U.S.A and creates a unique opportunity for artists from different parts of the world to actively exchange their views and ideas around issues of mobility and transition. The artists have been invited to respond to this theme and establish prior the exhibition a dialogue within the frame of current cultural mobility.

The Spanish part of the proposed project is principally coordinated by Toni Calderón and Ima Picó. Residencies, events and exhibition will take place in Forja ArteContemporáneo, Valencia from the 17th of September 2009 to the 23rd of October 2009.

The U.S.A part of the proposed project is principally coordinated by Carolina Loyola Garcia, Residencies and events will take place in SPACE, Pittsburgh from the 2nd of October 2009 to the 17th of November 2009.

TRANSFER LOUNGE was initiated by Carolina Loyola-García and Ima Picó in 2008

Participating artists:
David Maroto, Antonio R. Montesinos, Sergio Zavattieri, Abraham Martinez, Cristina Ghetti, Teresa Tomás, Filippos Tsitsopoulos, Carlos Cid, Montse Arbelo y Joseba Franco, Ima Picó, subRosa, Nayda Collazo-Llorens, Patricia Villalobos Echeverría, Ayanah Moor, Daniel Peltz, Ricardo Miranda Zúñiga, T. Foley, Carolina Loyola-García, PearlArts Collective and Brett Yasko.

More info: TRANSFER LOUNGE

Overflow - Vinyl installation

2009-07-31T23:54:00.000-07:00

Milton Keynes Contemporary – WHITEWALL
Midsummer Arcade (adjacent to John Lewis)
thecentre:mk, Milton Keynes, MK9 3EA. England

23rd of May until the 19th of July 2009
Private view: 4th of June. From 5:30pm to 7:30pm

Overflow ©. Ima Picó 2009

Installation process:

Irresistible District - Helsinki

2009-07-23T23:36:00.000-07:00

Ima Picó participates in IRRESISTIBLE DISTRIC. The event, like others already organized by Namastic Art Collective, is a mixture of high art, underground culture, and conversations around contemporary art and the conception of a new world based on the research and use of new energy sources, on openness, and on a healthy relation between individual and society. Art disciplines: photography, drawings, video, music, installation, performance, DJ and VJ.

21st, 22nd, 23rd of August 2009

Building Number 5 of Suvilahti area
Kaasutehtaankatu 1, Helsinki.
(Metro stop Kalasatama)

Opening times:
Friday and Saturday from 18:00 to 03:00
Sunday from 16:00 to 22:00.

Free entrance.

Stickers-projektraum schwarz

2009-06-16T02:37:00.001-07:00

STICKERS is a series of high quality digital images printed on adhesive vinyl. This work explores media saturation in contemporary society and its subsequent devaluation of information. Through this series of digital images I am exploring patterns and forms of the underground culture. At the same time they are an examination of the disposable mass media language of our modern built environment.

Heavy Duty - Paris

2009-06-16T02:34:00.000-07:00

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Overflow - Vinyl installation

2009-05-18T03:44:00.001-07:00

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Milton Keynes Contemporary – WHITEWALL
Midsummer Arcade (adjacent to John Lewis)
thecentre:mk, Milton Keynes, MK9 3EA.

Overflow © . Sample. Ima Picó 2009

23rd of May until the 19th of July 2009
Private view: 4th of June. From 5:30pm to 7:30pm

Opening Times:
Mon, Tue, Wed, Sat - 9.30am - 6 pm
Thursday and Friday - 9.30am - 8pm
Sun - 11am - 5pm
Admission: FREE

Ima Picó is a visual artist and digital muralist based in Manchester. Her recent work, including this project for WHITEWALL, explores media saturation in contemporary culture, publicity and symbols and signage. Through the use of photography and digital manipulation her images are printed at a large scale in order to cover entire walls. The work presents culture as grotesque and saturated, with ‘thought’ bubbles of graffiti communicating gibberish. This devaluation of information can be seen in our high streets and cities, places constantly invaded by text and design which does not communicate any essential information and is habitually confusing.

This installation is composed of images dealing with found sources, printed on adhesive vinyl and stuck onto the wall. Printed vinyl is a medium that offers artists strong dynamic colours and clarity of image, at a scale that is both large and impacting. Ima’s ‘street art’, its exaggeration and reconfiguration and composition, creates an esoteric and youthful language.

Ima Picó has exhibited Nationally and Internationally in galleries and museums and organises exchanges with artists from different regions of Europe, America and Asia. A catalogue supporting this installation, with text by cultural commentator Gillian McIver, is available from Waterstones bookshop. This exhibition finishes on July 19th.

Overflow © . Sample. Ima Picó 2009

Overflow - Instalación con vinilos

Milton Keynes Contemporary – WHITEWALL
Midsummer Arcade
thecentre:mk, Milton Keynes,
MK9 3EA. Inglaterra

Del 23 de mayo al 19 de julio 2009
Vista privada: 4 de junio. De 17:30 a 19:30

Horario:
Lunes, martes, miércoles y sábados: 9.30am - 6 pm
Jueves y viernes: 9.30am - 8pm
Domingos: 11am - 5pm
Entrada libre

Ima Picó es una artista visual y muralista residente en Manchester. Su trabajo reciente, incluyendo este proyecto para WHITEWALL, explora la saturación mediática en la cultura contemporánea, la publicidad, los símbolos y la señalética. A través del uso de la fotografía y la manipulación digital sus imágenes están impresas en grandes dimensiones con el propósito de cubrir muros enteros. El trabajo presenta la cultura visual como algo grotesco y saturado, con bocadillos de ‘pensamientos’ y graffiti que transmiten cosas sin sentido. Esta devaluación de la información se puede ver en nuestras calles y ciudades, lugares constantemente invadidos por textos y diseños que no comunican ninguna información esencial y son a menudo confusos.

Esta instalación está compuesta con imágenes extraídas del entorno urbano, impresas en vinilo adhesivo y pegadas en la pared. El vinilo impreso es un medio que ofrece a los artistas colores fuertes y dinámicos y claridad de imagen, en una escala grande e impactante. El ‘street art’ de Ima, su exageración, reconfiguración y composición, crea un lenguaje esotérico y juvenil.

Ima Picó ha expuesto a nivel nacional e internacional en galerías y museos y organiza exposiciones con artistas de diferentes regiones de Europa, América y Asia. El catálogo que acompaña esta exposición y que incluye textos de Gillian McIver, está disponible en la librería Waterstones. La exposición finaliza el 19 de Julio.

Overflow © . Sample. Ima Picó 2009

Sobre WHITEWALL:

Este singular espacio expositivo que se encuentra dentro de un centro comercial en Milton Keynes, está reservado para hacer exposiciones artísticas especialmente diseñadas durante períodos de 8 semanas. Conocido como Milton Keynes Contemporary - WHITEWALL, el espacio consiste un muro de 18 metros de largo, que se encuentra en una de las entradas más concurridas del centro comercial.

El centro cambia constantemente sus espacios públicos, proporcionando a los visitantes cultura, entretenimiento y otras atracciones - en este caso, acercándoles el arte contemporáneo para que lo disfruten mientras realizan sus compras.

El área proporciona a artistas locales y regionales que no forman parte de ningún recorrido turístico nacional, la oportunidad de mostrar su trabajo e interactuar con una audiencia mucho más amplia que de costumbre.

El proyecto está dirigido como una galería profesional y seleccionan las exposiciones de artistas que demuestran una visión creativa excepcional y cuyo trabajo es apropiado para Milton Keynes Contemporary - WHITEWALL. El espacio ha sido puesto a disposición y financiando en su totalidad por thecentre:mk - y es comisariado por Justin Neal, conocido y respetado artista residente en Milton Keynes.

Saturation. Intervención para una cartografía desorientada

2009-05-18T03:41:00.000-07:00

Rían Lozano

La reflexión sobre el exceso de información centra la obra de Ima Picó y dirige la creación de su particular trabajo cartográfico.
Su obra debe ser contextualizada en el espacio urbano, en el tiempo del consumo capitalista que ha caracterizado, en los últimos decenios, las sociedades de la comunicación globalizada; aquéllas donde el uso de la imagen ⎯mediatizada por las tecnologías de la información⎯ se convierte en un bien de consumo fundamental para el sistema de producción.
El material utilizado es directamente extraído de la iconografía de este contexto urbano, los trabajos exhibidos están repletos de referencias de la cultura visual de las sociedades más industrializadas: un imaginario global donde el lenguaje de las industrias comunicacionales ha llegado a un grado de estandarización y exceso que, según declara la artista, ha provocado su propia saturación.
De este modo, Ima Picó se apropia de imágenes características de la señalética de la vida urbana, incorpora onomatopeyas y algunas frases cortas recurrentes de los reclamos publicitarios, demostrando ⎯impúdicamente⎯ la superficialidad de las imágenes que conforman nuestro mundo perceptivo cotidiano.

Según explica Arjun Appadurai , los medios de comunicación y los procesos migratorios son los dos síntomas principales de las sociedades contemporáneas; su devenir conjunto repercute en el trabajo de la imaginación como una marca constitutiva de la subjetividad moderna. En la obra de Ima Picó, aparecen también estas dos diacríticas interconectadas. Por un lado, en sus obras encontramos una reflexión en torno a los grandes cambios acaecidos desde el uso y la transformación de los medios de comunicación electrónicos ⎯y la incidencia que éstos han tenido en la conformación y la percepción de la realidad.
Por otro lado, a partir del trabajo realizado en sus diversas residencias artísticas internacionales, Picó ha incorporado también en sus piezas las huellas de la movilidad. La rapidez del flujo de las imágenes massmediáticas y de las experiencias urbanas contemporáneas, unida a las historias actuales de migraciones masivas (voluntarias y forzadas, apunta Appadurai), ha instalado un nuevo orden de inestabilidad en la producción de las subjetividades modernas, un desorden que asoma en el mapa configurado por la artista.

Thus, to put it summarily, electronic mediation and mass migration mark the world of the present not as technically new forces but as ones that seem to impel (and sometimes compel) the work of the imagination. Together, they create specifics irregularities because both viewers and images are in simultaneous circulation. Neither images nor viewers fit into circuits or audiences that are easily bound with local, national, or regional spaces (Appadurai, 2005: 4).

La exhibición conjunta de las cuatro series que componen esta exposición crea un nuevo espacio visual, una cartografía paradójicamente desorientada. En ellas, las flechas ⎯indicadoras de dirección en su uso primario⎯ apuntan a lugares indefinidos, los bocadillos (protagonistas de la serie Stickers) encierran símbolos tipo, mensajes estándar desprovistos de significado concreto.
La hipervisualidad de esta sociedad, en la que la obra de la artista se sitúa explícitamente, ha llevado a un colapso evidente de toda esta información dirigida a un consumo inmediato y acompañada de un sentido de caducidad voraz.
Se produce, de este modo, una situación contradictoria. Pasear por las calles de Tokio Manchester o Berlín, recorrer cotidianamente los entornos urbanos industrializados, hace que, paradójicamente, los paisajes metropolitanos se ahoguen en su propio exceso visual.
Pero cuando estas mismas imágenes, estandarizadas y repetidas hasta la saciedad, se descontextualizan, cuando los desperdicios de los carteles publicitarios se sacan de su (des)uso urbano y se trasladan a un espacio que no les corresponde ⎯un lugar donde dejan de cumplir su función en la cadena de producción y consumo tardocapitalista⎯ entonces, se produce un dislocamiento perceptivo y de significado.
Con este gesto, acompañado por un trabajo de manipulación digital, Ima Picó sugiere que las imágenes de la vida cotidiana urbana no significan o, quizá, significan sólo por su puro exceso. De este modo, el colapso de la comunicación y del consumo visual inmediato resulta modificado mediante su simple desplazamiento a un espacio expositivo: lo cotidiano, cuando ocurre en un lugar extraño, se vuelve extraño.
La sensación de parálisis y la falta de sentido producida por la sobreinformación visual sigue siendo el elemento protagonista, pero la intervención de la artista hace que la misma saturación se convierta en el punto de arranque para una reflexión y, como sugiere el título de una de sus obras, la huida hacia una nueva forma artificial (no natural) narrativa.
Así, las representaciones del cuerpo femenino que protagonizan la serie Manipulation, buscan desvelar y alejarse de las tácticas del discurso visual tradicional impulsado desde las industrias culturales y mediáticas. Al contrario de lo que ocurre en las representaciones hegemónicas de los mass media, y alejándose también de la tradicional representación del discurso artístico donde el cuerpo femenino es un objeto expuesto inmediatamente ⎯siguiendo los cánones e ideales de belleza⎯ en estas piezas Picó presenta tres imágenes encerradas en sí mismas: tres cuerpos que se esconden o, tal vez, rechazan la mirada directa del voyeur-consumidor.
En Saturation, las grandes dimensiones del mural conformado por dieciocho imágenes impresas en vinilo, trabajadas digitalmente a partir de fotografías tomadas en Tokio, provocan en el espectador una sensación de extrañeza y un sentido de colapso sensorial: la artista se apropia del formato espectacular del cartel publicitario y lo introduce en un espacio interior, dedicado a fines expositivos. Algo similar, fomentado esta vez con el uso de la caja de luz, ocurre en su pieza Artificial_Scape (2). En este caso la materia prima son imágenes fotografiadas en las calles de Manchester y Berlin, entrelazadas con rostros de modelos tomados de diferentes revistas.
En su conjunto, las cuatro series utilizan los desechos del paisaje visual tardocapitalista y transnacional. Mediante su manipulación, Ima Picó demuestra la capacidad de intervenir directamente en él, creando una reflexión crítica acerca de sus usos y sus (sin)sentidos.

Rian Lozano 2008

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1 Appadurai, A. (2005 [1996]). Modernity at Large. Cultural Dimensions of Globalisation. Minneapolis/London: University of Minnesota Press.

2 “Por tanto, para resumir, la mediación electrónica y las migraciones masivas marcan el mundo actual no en tanto que nuevas fuerzas desde un punto de vista técnico, sino como fuerzas que parecen impulsar (y a veces imponer) el trabajo de la imaginación. Juntas crean irregularidades específicas porque tanto los espectadores como las imágenes están en circulación simultánea. Ni las imágenes ni los espectadores encajan en circuitos o audiencias ligados a los confines de los espacios locales, nacionales o regionales” (Appadurai, 2005: 4).

Ima Picó y el mural digital

2009-05-18T03:35:00.000-07:00

Por Gillian McIver

Ima Picó usa herramientas digitales como la cámara y el ordenador, la fotografía y las imágenes generadas por ordenador para crear obras que exploran la saturación mediática en la cultura contemporánea. Sus composiciones tienen como base fotografías originales que han sido transformadas usando medios digitales.

Una filosofía de la imagen digital

El arte digital comenzó a aparecer en los 80, pero tuvo gran dificultad en ser aceptado como “arte” porque era nuevo, porque era demasiado tecnológico, porque todas sus aplicaciones tenían su origen en la funcionalidad de la información tecnológica, no en el “arte” y porque la gente que lo practicaba eran a menudo más jóvenes y menos experimentados en los campos artísticos que los que dirigían el mundo del arte. Pero los artistas que trabajaban en medios tradicionales como la fotografía, escultura, pintura y cine se sintieron intrigados por las nuevas posibilidades ofrecidas por la tecnología y comenzaron a incrementar el uso del video, la performance y la instalación interactiva digital sin tocar las áreas tradicionales de la producción artística y su colección.

Sin embargo recientemente, a medida que las capacidades y el resultado avanzan y la calidad se incrementa, el trabajo de los artistas que producen fotografías, pinturas e impresiones digitales está comenzando a encontrar aceptación. Internacionalmente, los coleccionistas y los museos empiezan a crear pequeñas colecciones de arte digital. Pero esto no se ha ganado sin esfuerzo, como entre los argumentos en contra del uso de lo digital en estas formas tradicionales se encuentran el de la falta de autenticidad, el de la deshumanización, y el de la percibida ausencia de destreza o “sencillez” de uso, voy a llamar a estos argumentos en contra, el argumento de la democratización.

El filósofo Luciano Floridi, apunta: "digitality has been accused of evisceration of the real, and of liquidating truth, reference and objectivity.” La imagen digital es fabricada a partir de capas de procesos algorítmicos, sin trazas de materialidad. ¿Pero qué es exactamente esta “realidad” que está siendo amenazado?

Como puede percibirse, el cimiento del trabajo de Ima Picó para Whitewall es la fotografía. Fotografías de graffiti que ha tomado en las calles de varias ciudades, y que ha reorganizado en collages. Esto es, la imagen fotográfica transformada. Esto nos lleva a una de las más antiguas objeciones en contra de la imagen digital y la fotografía digital: su alejamiento de la idea de “lo real”. La “virtualidad” o lo intangible de la imagen digital hace que sea sospechosa y por tanto menos “auténtica” que la analógica, que después de todo “captura lo que hay ahí”

Esta cuestión de autenticidad está siempre en el centro de la polémica sobre la imagen digital. Pero que es en realidad una imagen auténtica? Tradicionalmente, en fotografía existe la idea de que una imagen fotografiada, captura lo que la óptica puede percibir, lo que está “realmente” ahí. La técnica de la fotografía, tradicionalmente, se basa en el encuentro entre la medición de la luz sobre una emulsión compuesta –bromuro de plata suspendido en gelatina. Pero cuál es la relación entre luz y mezcla química que hace a la imagen fotográfica más “auténtica” que la digital?

¿Es la imagen digitalmente manipulada necesariamente falsa? La fotografía digital es igualmente dependiente de la ley de la reciprocidad –de cómo la intensidad de la luz y la duración se intercambian para realizar una exposición, mejor conocida como la relación entre velocidad y apertura de diafragma. La diferencia entre la fotografía analógica y la fotografía digital es que en lugar de encontrarse con una emulsión sensible, la luz se encuentra un microchip sensible en el ordenador en miniatura que es la cámara digital. En ambos casos es la manipulación de la apertura y la velocidad de disparo lo que determina la imagen.

La imagen digital es una matriz de números, una composición de dígitos, transmitidos electrónicamente. Y entonces pasamos a la producción de la “imagen como una imagen” – esto es, la imagen visible: la imagen impresa o la visualizada en pantalla. En este caso lo interesante es que la imagen puede ser utilizada inmediatamente después de que ser tomada, puede subirse a una página web directamente, enviase a través de un e-mail desde el teléfono-cámara o visualizada a través de la propia pantalla LCD. La imagen analógica impresa tiene que manipularse más, en el laboratorio, antes de ser impresa.

Si pensamos en la manera en cómo se hacen todas las imágenes con máquinas, en su artificialidad, nos hacemos conscientes de lo que está involucrado en la fabricación de la imagen de este modo. Todas las opciones que se utilizan en la fabricación de la imagen son opciones profundamente humanas. La fabricación de la imagen a través de un artefacto depende de la interacción entre el ser humano y su herramienta, independientemente de que sea fotografía analógica, fotografía digital o de otro tipo de "cámara" como el scanner, que puede escanear objetos directamente y convertirlos en imágenes. Martin Lister indica que la crítica de la imagen digital es sólo otra variante del debate histórico sobre el supuesto realismo fotográfico y “the photographic image’s privileged status as a trustworthy mechanical analogue of reality.” Entonces ¿qué son más “auténticos”? ¿los graffiti originales en la calle, la fotografía de Picó de los graffiti, o los graffiti transfigurados, refundidos y reconstruidos en un mural? Cada una de estas cosas tiene un mensaje diferente. Tomando la fotografía, Picó ha hecho una serie de opciones completamente separadas de las opciones hechas por el graffitero. Ella ha seleccionado los graffiti y la pared en la que aparece, ha compuesto la toma y manipulado la cámara para hacer la exposición de la manera deseada. De esta manera ha realizado una auténtica opción artística para decir lo que quería decir. La siguiente etapa es la selección de las imágenes fotografiadas de graffiti y la aplicación de métodos digitales para transformarlas, combinando las imágenes con otras imágenes de textos y colores, y formas. En esta etapa el trabajo, aunque tiene como base la fotografía, se aleja completamente de la pintura “lo real” - es decir, lo real como lo puede concebir el nervio óptico del ojo o la óptica de la cámara. Ya no es una foto de un graffiti, "o una foto" de algo - se ha convertido en otra cosa. Picó trabaja con la representación de lo real – la fotografía - para crear algo que no es real, pero lo parece, en su uso de color, forma y diseño, algo que reconocemos como parte del mundo "real".

La imagen resultante es tan artificial como una pintura, pero tan "real" como una fotografía. ¿Cómo puede ser ambas cosas simultáneamente? Es la herramienta digital la que permite la composición sin costuras y la incorporación de elementos diferentes al proceso. Man Ray, pintor, fotógrafo e inventor del "rayograma" una vez dijo que la fotografía puede hacer lo que el ojo no puede. Man Ray, podría decirse con seguridad, habría sido uno de los primeros en reconocer las posibilidades de lo digital. El resultado de todo esto es que el argumento de la "falta de autenticidad" de lo virtual, en términos de imagen es un argumento falso - porque todas las imágenes son construidas, haciendo lo que el ojo por si solo no puede hacer.

En 1994 Bill Joy publicó un artículo en Wired pidiendo que imagináramos un mundo en el que la gente fuera dependiente de las máquinas. Joy apunta: “people will let machines make more of their decisions for them, simply because machine-made decisions will bring better results than man-made ones.”

Este es uno de los miedos que acompañan a lo digital en el arte. Las opciones que ofrece el software, el procesamiento etcétera, hacen que el peligro resida en que el artista confía más en la máquina que su propia percepción. Sin embargo, este miedo parece que evada la pregunta de qué es un artista. La aparente emergencia del arte-no basado-en-la-habilidad en el mercado artístico – el arte cuya esencia y valor radica en la publicidad que genera, arte donde no hay nada que ver y poco que experimentar - el mismo sensacionalismo de medios de esta clase de obra hace que la mayoría de artistas, que no trabajan de esta manera y que están preocupados por la habilidad y la calidad, permanezcan en la sombra. Pero esto algo que está de moda y por tanto temporal y no tiene nada que ver con la práctica antigua del arte. Y los instrumentos digitales requieren habilidad. Como Picó dice, la herramienta digital es como cualquier otra, se necesita tiempo para aprender a usarla correctamente, y esto requiere mucha práctica. El artista que confía en sus herramientas más que su propio juicio siempre será un artista limitado, limitado por su falta de confianza en sí mismo. Por supuesto, si Joy es correcto, y entramos realmente en una especie de estado “Matrix", entonces la posición de arte será el más insignificante de nuestros problemas.

Mark Hansen es otro filósofo de lo digital, que ofrece una visión más positiva, y rechaza la idea de que lo digital conducirá a la desaparición de lo humano. Hansen apunta: “information – needs an interpreter, and that interpreter is the material human body grounded in the wetware of our sensorial systems.” Entonces sea cual sea el sistema de información, sean unos garabatos en la pared de una cueva o un código binario, es nuestro sistema sensorial humano, el funcionamiento del cerebro – en sí mismo parte de una entidad carnal, el cuerpo - nuestro única manera de darle sentido. El recordatorio de Hansens de que es nuestra naturaleza sensorial la que interpreta los datos, tanto si es una pintura de óleo en un lienzo como unos datos algorítmicos reunidos en una pantalla, tiene un eco en el énfasis de Bergson de que el cuerpo es “una especie de filtro que elige de entre el universo de imágenes y según sus propias capacidades encarnadas, exactamente aquellas que le son relevantes.” El ser humano extrae sentido de los datos, independientemente de que los datos sean construidos o presentados, y es este proceso el que determina como una obra de arte puede ser evaluada: a través del criterio humano. Las categorías de lo digital y de lo no digital son menos importantes que el acto humano de hacer cultura.

La cultura digital no se determina simplemente por lo tecnológico; está arraigada dentro de una amplia variedad de discursos que van desde el capitalismo industrial temprano, a las teorías críticas y las filosofías del postmodernismo. "Cultura" en sí misma es una noción escabrosa, que abarca nuestros sueños y esperanzas así como nuestros objetos y artefactos. Y aún así hay algo especial, hasta algo extraño, en lo digital. Años atrás Guillermo Gibson se refirió a aquella red ilimitada de ceros y unos que es el mundo digital, como "el ciberespacio", que él llamó "el no espacio de la mente". Él lo describió como "alucinación consensual". Los artistas digitales abrazan esa alucinación colectiva y la exponen a la percepción, en la conocida forma cultural o categoría de "arte".

Entonces, si no puede haber ningún argumento en contra del arte digital en términos de autenticidad, y si el argumento de que posee una característica deshumanizadora se demuestra que es infundado, esto me permite volver al argumento último en contra de lo digital en el arte, que es que lo digital contribuye a que exista una falta de destreza entre los artistas, porque se percibe su "facilidad" de uso, argumento que denomino de la democratización.

La familiaridad alimenta el desprecio. Todos tenemos un ordenador. Usamos el correo electrónico, navegamos por Internet, hacemos las cuentas, escribimos cartas - y todos tenemos por lo menos una cámara. El teléfono móvil es una cámara. La cámara ya no es ese objeto metálico abultado que el abuelo tenía en su anaquel y sacaba varias veces al año para la requerida foto de familia. No ha sido así desde hace décadas – si alguna vez lo fue. Hemos convivido ya más de un siglo con la saturación de la imagen fotográfica. Hoy, el control de la imagen es cada vez más democrático, con el uso de cámaras baratas, inteligentes y fáciles de usar. Y quizás es esta plétora de imágenes de aficionados lo que causa desdén entre unos cuantos en el mundo de arte. De nuevo el argumento de la falta de autenticidad se menciona, sólo para ser invalidado una y otra vez. Lo que queda es el argumento en contra de la democratización de la imagen, la negación de la participación.

Este es uno de los puntos que Ima Picó enfatiza en Overflow. Picó efectúa un detournement tanto del artefacto del graffiti como de la fotografía digital de los graffiti, su imagen. Ambos son ejemplos de “lowbrow,” democratizado, artefactos culturales de poco valor. Los graffiti no tienen valor (a menos que sea de Banksy), y lo mismo sucede con la foto digital. Al adoptar estos objetos democráticos, y después usar herramientas digitales para configurar algo totalmente nuevo a partir de ellos, Picó consigue hacerse con la naturaleza democrática del material primigenio y crear algo a partir de ello que constituye claramente “una obra de arte única” más deseable.

Está el argumento de que lo digital es "fácil". ¿Pero lo es? Puede ser "fácil" hacer una foto digital, pero no es más "fácil" hacer una gran fotografía, donde las viejas reglas de la reciprocidad todavía tienen que mantenerse. El collage y el assemblage siguen siendo formas de arte difíciles, porque su éxito depende del juicio del ensamblador. ¿Cuánta gente sabe leer un histograma? ¿Manipular curvas y niveles? ¿Delinear de manera precisa los tonos de CMYK? Y no se trata solo de dominar las técnicas del ordenador: es estar al día sobre los nuevos desarrollos en software y hardware, y actualizarse constantemente. La tecnología digital hace que parezca que hacer obras de arte sea algo rápido y sencillo, pero no es el caso. Dominar realmente lo digital es una vocación como otra cualquiera, y al mismo tiempo, un artista digital debe dominar antes las habilidades analógicas que la preceden, como el dibujo, la pintura, la fotografía etcétera.

Arte mural y el mural digital de Picó

Overflow de Ima Picó y sus otros murales digitales son especiales no solo porque usa técnicas digitales para realizar collages y combinar diferentes elementos, si no porque ha elegido la forma mural para trabajar. Esta es una técnica difícil, con una historia antigua y problemática. La pintura mural satisface dos funciones principales, la primera es utilizar un espacio enorme, una pared, y llenarla con una imagen gigantesca y aplastante. La segunda función es la de revelar muchas capas, detalles que no pueden ser experimentados en el trabajos más pequeños. Una composición mural tiene que tener tamaño para poder manifestarse.

Tradicionalmente existen dos tipos de murales, el interior y el exterior. El mural interior está dirigido al espectador que se encuentra dentro de un espacio, y se siente abrumado por el mural en ese espacio. El Guernica de Picasso es un buen ejemplo de mural interior moderno (aunque sea movible – incidiré en esto más tarde). El mural exterior se encuentra en el aire libre y está dirigido a los transeúntes, que se detienen a causa del aspecto que tienen las imágenes. El proyecto de Whitewall es interesante porque ofrece a los muralistas la posibilidad de tener ambas cosas a la vez – es interior y exterior al mismo tiempo. El trabajo de Picó, que revela pedazos de muro, metal y graffiti de paredes que ha fotografiado, se aprovecha de esta idea de exterior e interior. Cuando nadie esperaría ver graffiti en las paredes interiores del Centre MK, Picó introduce el mundo exterior, pero nos invita a contemplarlo de una manera que ofrece la intimidad del mural interior.

Los murales llevan el arte de la galería o de la colección privada, a la esfera pública. Pero debido al tamaño, coste, y el trabajo que conllevan, los murales son por lo general encargados por un patrocinador. La naturaleza del mural, que demanda tamaño y hasta hace poco, permanencia, hace que históricamente hayan pertenecido al terreno vedado de la Iglesia, el Estado o los clientes corporativos. En este sentido, la mayor parte de los murales contienen elementos de propaganda o por lo menos de intensa persuasión, ayudados por una gran expresividad artística. Una pintura mural se supone que tiene que abrumar y haciéndolo así, posee el poder de convencer. En este sentido, puede decirse que un mural tiene un objetivo. Los murales también ha sido utilizados como un instrumento de emancipación social o para celebrar el logro de un objetivo político. Han sido creados contra la ley, como voces alternativas, o como un medio de atraer la atención de determinadas problemáticas. En la cultura contemporánea, las oportunidades de hacer murales son muy escasas. El Estado y las Iglesia ya no encargan murales, y los murales "de comunidad" que abunda en espacios sociales no se basan primariamente en la excelencia artística.

Tanto los murales de interior como los exteriores son menos comunes en el Reino Unido que en otras culturas. En el Reino Unido, los interiores tienden a ser divididos en estancias pequeñas. Al aire libre, el clima es húmedo y está demasiado al norte para garantizar una buena luz. En cambio, el Reino Unido es notable por su asombroso trabajo en piedra en las fachadas de los edificios, desde las gárgolas de Oxford al Prospero and Ariel de Eric Gill o el Night and Day de Epstein. Pero la arquitectura contemporánea ha desechado la escultura y la ornamentación, y no puede ser accidental que el vacío en el arte del mural público, haya sido llenado por una extendida apreciación hacia los artistas del graffiti, particularmente Banksy y sus imitadores, cuyo trabajo ha dirigido la atención hacia la línea entre el mural y el graffiti.

En el siglo XX, los artistas entendieron que la estructura de la pintura mural podría ser reconfigurada para conseguir una expresión artística más personal, y rechazaron la noción de que la pintura mural debería estar fijada permanente en la pared. La pintura mural como la desarrollada por Picasso con el Guernica, o los Seagram Murals de Rothko, es una forma de mural temporal, realizada para un espacio enorme como cualquier mural, pero portátil. Lejos de ser una expresión de la enfermedad de la sociedad moderna y de la cultura para llevar, el mural temporal permite el traslado de una idea, la instalación y re-instalación, es decir la movilidad de la expresión monumental.

Tomando como referencia el mencionado monumental Guernica – trasladado de París a Nueva York y a muchas otras ciudades en el mundo hasta su instalación definitiva en Madrid. Su reproducción en tapicería, alojada en las Naciones Unidas, está actualmente en la Galería Whitechapel de Londres. Así la declaración hecha por el mural ha sido puesta a disposición de muchos, lo que hubiera sido imposible si se hubiera pintado en París en 1937 sobre una muro.

El graffiti es en la mayor parte de casos una crítica pública inarticulada – la expresión de algo que va desde la insatisfacción por una situación política, a un sentimiento de alienación personal. Pero no sólo nos sentimos inundados en nuestras vidas diarias por el graffiti: la esfera pública está llena de una sobrecarga visual. Ima Picó apunta que "en nuestra sociedad contemporánea, la gente es constantemente invadida por un diseño que no comunica ninguna información esencial, y es habitualmente confuso."

Overflow de Ima Picó une lo digital con la idea del mural: uniendo las controvertidas nuevas tecnologías con la práctica muralista antigua; combinando lo "callejero" de la expresión prohibida del graffiti con la manipulación digital en una atractiva y fascinante exploración a gran escala de la saturación mediática en la cultura contemporánea. Usando los mismos medios que se usan para la publicidad (letras en el vinilo que se adhieren a la pared), Overflow incorpora estos signos usando el color y la deformación, exagerándolos y reajustándolos en configuraciones que expresan la sobrecarga cultural, aplastada bajo el peso del exceso de información. El resultado es un retrato del caos, repeticiones y texturas usando imágenes tomadas del lenguaje de masas de la cultura visual. Al mismo tiempo, el trabajo es asombroso, lúcido y hermoso, sin sacrificar ninguna de las cualidades que han hecho del arte visual algo eterno y significativo para el espectador.

Algo Nuevo?

¿Es necesario que el arte digital se proclame como un medio nuevo? El arte ya no es específico de un solo medio. Los artistas ahora funcionan combinando disciplinas - texto, imagen, imagen en movimiento, evento - y eligen las herramientas que necesitan para llevar a cabo lo que ellos quieren expresar.
“Digital technology exists. Art exists. Art which uses technology exists. Digital Art does not exist 'in its own right'.” (Morrison and Fuller)
Y aún así, algo está pasando. Los artistas, los cineastas y los fotógrafos están – lentamente, y siendo o no conscientes - en el proceso de crear un nuevo lenguaje estético, una nueva estética e incluso, una estética digital. Traspasando los límites de lo que ya se conseguido con la práctica analógica, pero aprendiendo e incorporando lo que les es útil de la práctica analógica y desechando lo inútil.

La nueva estética digital debe alejarse de la imitación, y procurar usar las herramientas digitales para hacer imágenes diferentes, sonidos diferentes y estructuras narrativas diferentes. Los nuevos herramientas digitales han abierto nuestros ojos a nuevos modos de ver, a combinaciones nuevas y poco ortodoxas, a una estética distinta.

El trabajo de Ima Picó hace referencia a prácticas analógicas claves – fotografía, pintura, mural y arte textual, pero no es ninguna de éstas. Sus murales digitales hacen referencia al graffiti en la pared, pero no están pintados; incorpora la fotografía, pero no son fotografías, e incluyen textos, pero no son el arte textual. En todos los casos va más allá de estas categorías, combinándolas y transformándolas – pero no para suplantarlas, sino para crear algo alternativo, una visión diferente, y una forma diferente de criticar la cultura en la que vivimos.

Gillian McIver 2009

Gillian McIver es una video-artista digital, artista visual y profesora canadiense que reside en Londres. Su trabajo explora la intersección de la narrativa, la imagen y el lenguaje. McIver ha escrito sobre medios y espectáculo, y sobre las cuestiones de dónde y cómo "situar" la imagen en movimiento en el contexto artístico actual. McIver está interesada en las problemáticas originadas por la incorporación de la estética digital en la tradición fílmica.

Gillian McIver es miembro del grupo londinense Luna Nera y también trabaja como comisario independiente.

Referencias:
Floridi, Luciano, http://www.philosophyofinformation.net/
Gibson, William, Neuromancer (1984)
Hansen, Mark New Philosophy for New Media (2006)
Lister, Martin. 'The Photographic Image in Digital Culture' (1995)
Ewan Morrison and Matthew Fuller, Mute 2004

Ima Picó and the digital mural

2009-05-18T03:33:00.000-07:00

By Gillian McIver

Ima Picó uses the media-tools of camera and computer, photography and computer-generated images, to make artwork that explores media saturation in contemporary culture. Her compositions are based on original photographs that have been further developed using digital tools.

A philosophy of the digital image

Digital art started to appear in the 1980s, but had great difficulty getting accepted “as art” because it is new, because it is highly technological, because all digital applications have their origins in the functionality of information technology and not in “art”, and because the people that practice it have usually been younger and less experienced in the ways of the art world, than those who run the art world. But artists who worked in traditional media such as photography, sculpture, painting and film were intrigued by the new possibilities offered by the technology and increasingly began to experiment, and then work, with it. Initially the acceptance of the digital in art has been in the uses of digital video, and in digitally-interactive performance or installation work, and did not touch the traditional areas of art production and collection.

Recently, however, the work of artists who produce digital photographs, paintings and digital printmaking is beginning to find acceptance, as the output capacities advance and quality increases. Internationally, collectors and museums are now beginning to create small collections of digital art. But this has not been won without a fight, as the arguments against the digital in these traditional artforms, encompass the argument of authenticity, the argument of dehumanisation, and the argument of de-skilling or perceived “ease” of use, which I shall call the argument of democratization.

Philosopher Luciano Floridi, has noted that "digitality has been accused of evisceration of the real, and of liquidating truth, reference and objectivity.” The digital image is fabricated through layers of algorithmic processing, with no trace of materiality. But what is this “real” that is being threatened?

As can be perceived, the foundation of Ima Picó's work for the Whitewall is the photograph, photographs of graffiti she took while walking in the streets of various cities, and which she has then reworked into collage. So, the photographic image, transformed. This brings us to one of the oldest objections to the digital image, the digital photograph: its removal from the idea of “the real.” The “virtuality” or intangibility of the digital image makes it suspicious and therefore less “authentic “than the analogue, which after all simply “captures what is there.”

This question of authenticity is always at the core of any discussion of the digital image. But what exactly is an authentic image? Traditionally, there is in the idea of photography the idea that a recorded image records what the optic can perceive, what is “really” there. The technique of the photograph, traditionally, was about the encounter between measured light upon a composed emulsion - silver halides suspended in gelatine. But what is the relationship between light and chemical mixture that renders it more “authentic” than a digital one?

Is a digitally-manipulated image necessarily inauthentic? The digital photograph is equally dependent upon the law of reciprocity - how light intensity and duration trade off to make an exposure, better known as the relationship between shutter speed and aperture. The difference between the analogue photograph and the digital photograph is that instead of the encounter with sensitive emulsion, the light encounters the sensitive microchip of the miniature computer that is the digital camera. In both cases it is the manipulation of the aperture and shutter that determines what becomes the image.

The digital image is a matrix of numbers, a composition of integers, transmitted electronically. And then we move into the production of the “image as an image” – that is, the viewable image: the print or the screen view. In this case the interesting thing is that the digital image can usually be used immediately after the picture is taken, it can be uploaded directly to a website, emailed right from the phone-camera or at the very least viewed on the camera's own LCD screen. The printed analogue image must be manipulated further, in the darkroom, before there is a print.

Thinking about the ways in which all machine-made images happen, their very artificiality, makes us aware of what is involved in machine-based image making. All of the choices required in image making are profoundly human choices. Machine based image making depends on the interaction between the human and their tool, whether it is analogue photography, digital photography or that other “camera” the scanner, which can scan objects directly and turn them into images. Martin Lister has pointed out that the critique of the digital image is just another reworking of the historic debate about supposed photographic realism and “the photographic image’s privileged status as a trustworthy mechanical analogue of reality.” So what is the most “authentic:” the original graffiti as it was in the street, Picó's photograph of the graffiti, or the transfigured graffiti, reworked and remade into a mural? Each of these does not have the same message as the other. By taking the photograph, Picó has made a series of choices entirely separate from the choices made by the graffitist. She has selected the graffiti and the wall it appears on, composed the shot and manipulated the camera to expose it in the way she wanted. In this way she has authentically made an artistic choice to say what she wanted to say. The next stage is the selection of the photographed images of graffiti, and the application of digital methods to reshape the, combining images together with other images texts and colours, and shapes. At this stage the work, though based in the photograph, moves away entirely from the depiction of “the real” - that is, the real as the optic nerve of the eye or the optic of the camera can conceive it. It is no longer a picture of graffiti, or a “picture of” anything - it has become something else. Picó is working with the depiction of the real – the photograph - to create something that is not real, but resembles, in its use of colour, shape and design, something we recognise from the “real” world.

The resulting image is as artificial as a painting, but as “real” as a photograph. How can it be both things simultaneously? It is the digital tool which allows the seamless blending and application of different elements to the process. Man Ray, painter, photographer and inventor of the “rayogram” once said that photography can do what the eye cannot do. Man Ray, it can confidently be said, would have been one of the first to grasp at the possibilities of digital. The upshot of all of this is that the argument of the “inauthenticity” of the virtual, in terms of the image is a false problem - because every image is constructed, doing what the eye alone cannot do.

In 1994 Bill Joy published an article in Wired asking us to imagine a world where humans have become dependent on machines. Joy feared that “people will let machines make more of their decisions for them, simply because machine-made decisions will bring better results than man-made ones.”

This is one of the fears attached to the digital in art. The auto-options in the software, the batch process and so on, means that the danger is that the artist trusts the machine more than his or her own perception. However, this fear appears to evade the question of what an artist is. The apparent emergence of non-skill-based-art in the art market – art whose core meaning and value lies in the publicity it generates, art where there is nothing to see and little to experience - the very media sensationalism of this kind of work means that the majority of artists, who do not work in this way and who are concerned with skills and excellence, are in the shadows. But this is temporary and fashion-driven, and has nothing to do with the ancient practice of art. And digital tools require skill. As Picó says, the digital tool is like any other, it takes time to learn it in order to use it precisely, and it requires lot of practice. The artist who trusts his tools more than his own judgement will always be a limited artist, limited by his distrust of himself. Of course, if Joy is right, and we do enter a kind of “Matrix” state, then the position of art will be one of the least of our problems.

Mark Hansen is another philosopher of the digital, who takes a more positive view, and rejects the idea that the digital will lead to the erasure of the human. Hansen believes that the comforting certainty in our relationship to the digital, is that digital information – any system involving “information – needs an interpreter, and that interpreter is the material human body grounded in the wetware of our sensorial systems.” So whatever the information system, whether it is a scrawl on the wall of the cave or a binary code, it is our human sensorial system itself, the working of the brain – itself a part of a fleshly entity, the body - that is our only way of making meaning out of it. Hansens' reminder that is our sensory nature that interprets all data, whether it is oil paint on a canvas, or algorithmic data assembled on a viewing screen, has an echo in Bergson's emphasis on the body as “a kind of filter that elects from among the universe of images and according to its own embodied capacities, precisely those which are relevant to it.” The human makes sense of data, however that data is constructed or presented, and it is this process that determines how a work of art can be evaluated: through human criteria. The categories of digital and non-digital are less important than the human act of making culture.

Digital culture is not simply technologically determined; it is rooted in a wide range of discourses from early industrial capitalism, through to the critical theories and philosophies of postmodernism. “Culture” in itself is a necessarily slippery notion, embracing our hopes and dreams as well as our objects and artefacts. And yet there is something special, something even weird, about the digital. Years ago William Gibson referred to that limitless network of zeroes and ones that is the digital world, as “cyberspace”, which he called “the non-space of the mind”. He described it as “consensual hallucination”. Digital artists harness that collective hallucination and reveal it to the perception, in the familiar cultural form or category of “art.”

So, if there can be no argument against digital art in terms of the authenticity of the digital image, and the argument of the inherent dehumanised properties of the digital is shown to be baseless, then let us turn to the final argument against the digital in art, that of the digital's contribution to the de-skilling of artists, through the perceived “ease” of use, which I shall call the argument of democratization.

Familiarity breeds contempt. Everyone has a computer. Emailing, web surfing, doing the accounts, writing letters - and everyone has at least one camera. Your mobile phone is a camera. The camera is no longer that bulky metal object that grand-dad kept on his shelf and dusted down several times a year for the requisite family photo. It has not been that for decades – if it ever even was. We have lived already a whole century or more of photographic-image saturation. Today, control of the image is more and more democratized, with cheap, clever and easy to use cameras. And perhaps it is this plethora of amateur images that has caused a disdain among some in the art world. Again the argument of inauthenticity is raised, only to be invalidated again and again. What is left is the argument against the democratization of the image, the denial of participation.

This is one of the points that Ima Picó highlights in Overflow. Picó effects a détournement of both the graffiti artefact and the digital photograph of the graffiti, its image. Both of them are examples of discredited “low brow,” that is democratized, cultural artefacts of low value. Graffiti is valueless (unless it's by Banksy), and so is the digital snap. By embracing these democratic artefacts, then using digital tools to totally reconfigure them, Picó has managed to embrace the democratic nature of the source material and to create something out of them which is clearly that much-desired “unique work of art.”

There is the argument that digital is “easy”. But is it? It may be “easy” to take a digital snap, not any more “easy” to take a great photograph, where the old rules of reciprocity still need to be followed. Collage and assemblage remain difficult artforms, because their success entirely depends on the judgement of the assembler. Digital tools are simply tools, and it takes time and dedication to know how to use them. How many people know how to read a histogram? Manipulating curves and levels? Precisely delineating CMYK tones? And it is not just about mastering the computer techniques: it is about staying abreast of new developments in software and hardware, and constant upskilling. Digital technology appears to make artwork quick and easy to produce, but it is not the case. Truly mastering the digital is a vocation like any other, and at the same time, a digital artist must have first mastered the analogue skills that precede it, such as drawing, painting, photography and so forth.

Wall based art and Picó's Digital Mural

Ima Picó's Overflow and her other digital murals are special not only because she is using digital techniques to collage and combine diverse elements, but because she has chosen the mural form to work in. This is a difficult form, with an ancient and troubled history.
The mural serves two main functions, the first is to serve a huge space, a wall, and to serve it with one mammoth, overwhelming image. The second function is to reveal a lot of layers, details that cannot be experienced in smaller work. A mural composition needs size to manifest itself.

Classically there are two types of murals the interior and exterior. The interior mural is about the viewer being in a space, and being overwhelmed by that mural in the space. Picasso's Guernica is a good example of a modern interior mural (though it is movable – more about that later). The exterior mural is about passers-by, who are arrested by the appearance of images in the outdoors. The Whitewall project is interesting because it offers mural artists an opportunity to have both – it is inside and outside. Picó's work, revealing bits of masonry, wood and graffiti from walls she has photographed, plays on this outside and inside idea. As one would not expect to see graffiti on the walls inside the Centre MK, Picó has brought the outside world in, but invites us to view it in a way that offers us the intimacy of the inside mural.

Murals bring art out of the gallery or private collection, into the public sphere. But due to the size, cost, and work involved, murals are usually commissioned by a sponsor. The nature of the mural, that is demands size and until recently, permanence, means that historically it has been the preserve of the Church, the State or corporate clients. In this respect, most murals have contained within them elements of propaganda or at least strong persuasion, through high artistic expression. A mural is meant to overwhelm and in so doing, it has the power to convince. In this, a mural can be said to have a sense of purpose. Murals have also been used as a tool of social emancipation or achieving a political goal. They have been created against the law, as alternative voices, or as a means of calling for attention to issues. In contemporary culture, the opportunities for murals are very sparse. The State and the churches no longer commission mural projects, and the “community” murals that abound in social spaces are not primarily about artistic excellence.

Both indoor and outdoor murals are less common in Britain than in many other cultures. In Britain, interiors tend to be divided into smaller rooms. Outdoors, the climate is damp and it is too northerly to guarantee good light. Instead, Britain is noticeable for its astonishing stonework on building facades, from the gargoyles of Oxford to Eric Gill's Prospero and Ariel or Epstein's Night and Day. But contemporary architecture has jettisoned sculpture and decoration, and it can be no accident that into the vacuum of public wall art, has been filled by widespread appreciation for graffiti artists, notably Banksy and his imitators, whose work has drawn attention to the line between mural and graffiti.

In the 20th century, artists understood that the mural form of a very large, wall based painting could be re-purposed for more personal expression, and rejected the notion that the mural must be a permanent fixture to the wall. The mural as developed by Picasso with Guernica, or Rothko's Seagram Murals, is a temporary mural, intended for a vast space like any mural, but portable. Far from being an expression of the illness of modern society and takeaway culture, the temporary mural allows the portability of an idea, of installation and reinstallation, the transference of the monumental expression.

Take the aforementioned monumental Guernica – moving from Paris to New York and to many other cities in the world until its eventual instatement in Madrid. Its tapestry copy, housed at the UN, is currently in London's Whitechapel Gallery. Thus the overwhelming statement made by the mural has been made available to many, which it would not be if it had been painted onto a wall in Paris in 1937.

Graffiti is in most cases an inarticulate public comment – expressing anything from dissatisfaction with a political situation, to a sense of personal alienation. But we are not only assailed in our daily live lives by graffiti: the public sphere is filled with visual overload. Ima Picó says that “in our contemporary society, people are constantly invaded by design that does not communicate any essential information, and is habitually confusing.”

Ima Picó's Overflow brings the digital together with the idea of the mural: harnessing the controversy of the new media technology to the ancient practice of mural; combining the “street” sense of the forbidden graffiti expression with digital manipulation into a striking, large scale and engaging exploration of media saturation in contemporary culture. Using the same kind of media that is used for advertising (digital print on vinyl adhering to the wall), Overflow incorporates these signs using colour and distortion, exaggerating and rearranging them into configurations that express a sense of cultural overload, straining under the weight of information excess. The result is a portrait of chaos, patterns and textures using imagery taken from the mass language of visual culture. At the same time, the work is striking, lucid and beautiful, sacrificing none of the qualities that have made visual art timeless, and significant to the viewer.

Something new?

Is it necessary for digital art to proclaim itself as a new medium? Art is no longer medium specific. Artists now operate across disciplines - text, image, moving image, event - and choose the tools that they need to accomplish what they want.
“Digital technology exists. Art exists. Art which uses technology exists. Digital Art does not exist 'in its own right'.” (Morrison and Fuller)
And yet, something is happening. Artists, film makers and photographers are – slowly, and whether they know it or not - in the process of creating a new aesthetic language, a new aesthetics even, a digital aesthetics. Moving beyond the limits of what has been accomplished already though analogue practice, but learning from and incorporating what is useful from analogue practice, and jettisoning that which is not useful.

The new digital aesthetics must move away from being imitative, and seek to use the digital tools to make different images, different sounds and different narrative structures. The new digital tools have opened our eyes to new ways of seeing, new and unorthodox combinations, a distinct aesthetics.

Ima Picó's work references key analogue practices – photography, painting/mural-painting and text-art, but it is none of these. Her digital murals refer to wall graffiti, but are not painted; incorporate photography, but are not photographic, and include text but are not text-art. In all cases they go beyond these categories, combining them and transforming them – not to supplant them, but to create something alternative, a different vision, and a different kind of critique of the culture we live in.

Gillian McIver. 2009

Gillian McIver is a digital film-maker, artist and lecturer. Her work explores the intersection of narrative, image and language. She has written about media and spectacle, and about the question of where and how to “site” the moving image. She is interested in the issues raised by digital aesthetics within the filmic tradition.
She is a member of the Luna Nera group and also works as an independent curator.

References:
Floridi, Luciano, http://www.philosophyofinformation.net/
Gibson, William, Neuromancer (1984)
Hansen, Mark New Philosophy for New Media (2006)
Lister, Martin. 'The Photographic Image in Digital Culture' (1995)
Ewan Morrison and Matthew Fuller, Mute 2004

Saturation. An intervention for a disorientated cartography

2009-05-16T22:25:00.000-07:00

By Rían Lozano

The examination of the excess of information is central to the work of Ima Picó and it leads the artist towards the creation of a unique cartographic work.
Her work should be contextualised within the urban environment, in an era where the capitalist consumption has characterised, over the last decades, our age of global communication; where the use of the visual image -mediatised through the use of technology- is transformed into a mass media commodity essential for the chain of production.
The material used is directly extracted from the iconography of the urban environment. The exhibited works are plenty of references to the visual culture of the most industrialised societies: a global imaginary where the language of the communication industries has reached a level of standardisation and excess that, as the artist points out, has produced its own saturation.
In this way, Ima Picó makes use of ordinary urban signage images, incorporates onomatopoeias and advertising campaigns slogans, indicating –blatantly- the shallowness of the images that convey the perception of our everyday world.

As Arjun Appadurai explains, the mass communication systems and the migratory processes are the two main symptoms of our contemporary society; their synergy has an impact on the collective imagination and it is an important characteristic of the modern subjectivity. These two interconnected diacritics play key roles on Ima Picó’s work. On one hand, her works become an examination of the big changes that have taken place since the use and development of electronic mass media -and the impact that these have had in the shaping and perception of reality-. On the other hand, since she has participated on several international residency programs, Ima Picó has incorporated in her pieces the sense of mobility.
The fast flow of mass-media images and contemporary urban experiences and the current mass migrations (voluntary and forced, as Appadurai points out), have destabilise the production of modern subjectivity, establishing a disorder that becomes visible in the map created by the artist.

Thus, to put it summarily, electronic mediation and mass migration mark the world of the present not as technically new forces but as ones that seem to impel (and sometimes compel) the work of the imagination. Together, they create specifics irregularities because both viewers and images are in simultaneous circulation. Neither images nor viewers fit into circuits or audiences that are easily bound with local, national, or regional spaces (Appadurai, 2005: 4).

The combination of the four series featuring this show creates a new visual space, a paradoxical map of disorientation. In the artworks, the arrows -indication of direction in its primary use- point at imprecise places, the speech bubbles (protagonists of the series Stickers) contain typical symbols and standardised messages often lacking of a concrete meaning.
Our current hyper visual society, where the artist work is manifestly placed, has motivated the collapse of the information, focussed towards the immediate consumption and combined with a sense of voracious expiration. Therefore a contradictory situation is taking place. Walking down the streets of Tokyo, Manchester or Berlin, day after day strolling along the urban industrialised environments, paradoxically produces the drowning of the metropolitan scenery in its own visual excess.
But when the same images, standardised and repeated over and over, become decontextualised or, when the discarded advertising posters are extracted from its urban (dis)use and relocated to a space that does not belong to them -a place where they no longer fulfil their function in the late capitalist consumption and production chain- then it is when a dislocation of perception and meaning occurs.
With this gesture, along with a digital manipulation, Ima Picó suggests that the images of the urban life do not mean or, perhaps, they mean only because of its pure excess. As a result, when moving the images to an exhibition space, a collapse of communication and visual consumption takes place: when the everyday happens in a strange place, it becomes strange.
The paralysing sensation and the absence of meaning produced by the excess of visual information continues being the central element, but the intervention of the artist initiates the transformation of the saturation into a starting point for deliberation and, as the title of one of her works suggests, a escape to a new narrative artificial form (not natural). Therefore, the representations of the feminine body leading the series Manipulation, try to expose the tactics of the traditional visual discourse supported by the media and cultural industries.
In opposition to the dominant mass media representations, and far from the traditional artistic representation approach where the female body appears as an immediately exposed object -pursuing the ideal of beauty- Picó presents three figures wrapped up in themselves: three bodies hiding from or, perhaps, repelling the gaze of the voyeur-consumer.
In Saturation, the big dimensions of the mural composed by eighteen images printed on vinyl, digitally transformed photographs taken in Tokyo, stir in the spectator a sense of surprise and a impression of sensory collapse: the artist appropriates the spectacular format of the advertising poster and introduces it in an indoor space devoted to the exhibition of art. Something similar, using this time a light box, takes place in her piece Artificial_Scape (2). In this case, the base matter to be transformed are photographs taken in the streets of Manchester and Berlin, intertwined with faces of models from different magazines.
Altogether, the four series used the leftovers of the late capitalist and transnational visual landscape. Through her manipulation, Ima Picó demonstrates aptitude to interfering directly with it, creating a critical reflection about its use and (non)sense.

Rian Lozano. 2008

1 Appadurai, A. (2005 [1996]). Modernity at Large. Cultural Dimensions of Globalisation. Minneapolis/London: University of Minnesota Press.

Entrevista

2009-05-16T22:17:00.000-07:00

Por Marisa Giménez y Lupe Frígols. Lae.sferazul.

Antes de empezar esta conversación, ya sabemos que se nos hará corta. Son muchas las cosas que queremos preguntarle porque son muchas las cosas que de ella nos interesan. Seguimos su obra desde sus inicios. Hemos colaborado en cantidad de proyectos juntas. Nos fascina ese poder de unir, de inspirar encuentros artísticos, de alentar sinergias y de tocar la fibra de una manera sutil, sin estridencias. Hace años que no vive en nuestra ciudad, pero vuelve siempre.

Marisa.- ¿Cómo te gusta que te definan?, ¿artista multimedia?, ¿artista visual?...

Me considero una artista visual. El medio en el que trabajo actualmente es el digital, pero mi objetivo cuando lo creo y el soporte final es material. Mi formación es pictórica y mis obras se basan en la composición, textura y color, pero el proceso es digital

Lupe.-Tus estudios y tus inicios artísticos fueron más orientados al arte tradicional, a la pintura, ¿cómo influyen esos conocimientos en tu obra hoy?

Influyen muchísimo. Cuando trabajo con procesos digitales tengo muy presente la composición, el color y la textura, que son conceptos que se manejan en pintura. El proceso es diferente, pero al trabajar a partir de fotografías las texturas son casi matéricas. También a la hora de imprimir esos materiales, los diferentes acabados aportan cualidad a la superficie.

L.- ¿Qué te motivó a adentrarte en el mundo de los gráficos generados por ordenador?

La curiosidad y las innumerables posibilidades que se abrían. También coincidió con la época en la que me trasladé a vivir a Belfast y era un periodo en el que la economía de espacio era importante para poder moverse libremente sin necesidad de transportar objetos. El medio digital es, en ese aspecto, más dinámico. Ofrece la posibilidad de reproducción y por lo tanto permite organizar una exposición en la otra parte del mundo simplemente enviando un DVD con unas directrices.

M.- ¿Ha conseguido la imagen digital, el mundo virtual, que tu obra sea más libre o te ves limitada a veces por el uso de la tecnología?

No me veo en absoluto limitada por la tecnología, al contrario, es un mundo lleno de posibilidades aún por explorar. No sólo por el hecho de poder transformar o crear imágenes, sino también por las posibilidades que se abren a la hora de imprimir esas imágenes en diferentes formatos y materiales.

M- Has vivido en Belfast, resides actualmente en Manchester…y pronto te trasladarás a Berlín…,¿qué van dejando estas ciudades en tu obra?

Creo que me he dejado absorber por el entorno y cada ciudad en la que he vivido o he visitado temporalmente ha tenido un impacto fuerte en mi obra. El entorno me ha influido considerablemente; el modo de vida, el ambiente y la experiencia de vivir en una ciudad que no es la tuya; la incomodidad, el enfrentamiento con situaciones desconocidas, el choque cultural me ha hecho trabajar y plantearme las cosas de otra manera. Creo que cada ciudad ha aportado algo a mi obra. En mi proceso tomo fotografías de distintos sitios y luego las mezclo y modifico con el ordenador. Hay determinadas características que son únicas de cada lugar y ésas son las que incorporo a mi obra.

M.-Trabajas en solitario, pero provocas e inspiras encuentros artísticos, proyectos con otros artistas, ¿qué te aporta la relación y el trabajo con otros creadores?

Conocer artistas de otros países, ver cómo se trabaja, o realizar proyectos en torno a una idea o colaboración artística es una parte fundamental de mi trabajo. La creación de mi obra y los proyectos artísticos se complementan. Los intercambios me ofrecen la posibilidad de conocer el arte y el modo en que trabajan los artistas locales. No es igual el arte que se exporta a otros países que el que se está creando en ese momento en un lugar determinado. Los intercambios me ofrecen la posibilidad de conocer de primera mano ese arte y ese entorno concreto en el que la creación está en proceso. El contacto con estos creadores me aporta también la base para iniciar nuevos proyectos e ideas para la colaboración.

L.- Sé que es una pregunta comprometida pero, ¿con qué país te sientes más a gusto colaborando?

He trabajado muy a gusto en Irlanda del Norte, tengo un especial cariño a Belfast y he encontrado en ese país artistas muy profesionales con los que he hecho un montón de colaboraciones. Es un país que me ha hecho sentirme como en casa, allí han apreciado mi trabajo y me han ofrecido numerosas oportunidades para hacer proyectos de todo tipo. Otro país con el que he trabajado muy a gusto es Japón.

M.- Cuál es la sensación que predomina cuándo estás inmersa en el proceso de creación de una obra, ¿placer?, ¿intranquilidad?, ¿angustia?, ¿impaciencia?

Me resulta muy curiosa esta pregunta. Por una parte cuando empiezo una obra nueva me encuentro en una fase llena de expectativas, no me apetece hacer lo que ya sé hacer, sino experimentar con otras cosas y procesos nuevos para ver el resultado, aunque a veces el resultado no siempre es positivo. A veces esa inquietud me lleva a la equivocación, pero por medio de pruebas y errores llego a otros sitios más interesantes. A veces, el final es tan chocante para mí misma que necesito que pasen meses e incluso años para saber si esa obra es buena o para comprender lo que he hecho y dar la obra por acabada. En general, me muevo en la incertidumbre y no me importa arriesgar y equivocarme.

M- El cuerpo humano, el cuerpo de la mujer ha sido un referente en tu obra, ¿es para ti una fuente de inspiración? ¿un recurso? ¿un arma?

Sí, el cuerpo femenino ha sido un referente importante en mi obra como fuente de inspiración, recurso y arma. En la obra que presento en la Llotgeta aparecen cuerpos y rostros, pero curiosamente en mi obra más reciente, los cuerpos tienden a desaparecer.

M- La exclusión, el desarraigo, el individualismo...son conceptos que siempre aparecen en tu obra. En el fondo de todo esto ¿es la soledad el tema que subyace?

Creo que en el fondo parte de eso es lo que transmito en las obras. La profesión de artista puede llegar a ser aislada, al fin y al cabo, en el proceso de creación el artista tiene en muchos casos (por supuesto dependiendo del tipo de obra que haga) que estar solo durante horas enfrentado a sus dudas creativas para obtener un resultado.

M.- La saturación mediática, la publicidad agresiva nos hacen más débiles, nos reducen a meros consumidores. Tú utilizas las mismas armas estéticas, los mismos medios para llamar la atención sobre el peligro que esto supone. ¿Quién marca los límites?

Creo que cuando uso los reclamos publicitarios, en realidad los uso como recurso estético, me gusta el color, el mensaje inmediato, a veces agresivo. Por ejemplo en Manchester hay un montón de frases cortas dirigidas a los transeúntes que son muy agresivas y que me encantan. El color, el texto, las formas, el diseño, el color, creo que son recursos estéticos muy potentes y en realidad lo que hago es apropiarme de ellos y utilizarlos en mis composiciones. Cuando acabo las obras, entonces es cuando intento contextualizarlas por diversas razones (por ejemplo en el Reino Unido es importante que contextualices tu obra, que sepas hablar de ella y que le des un significado a la hora de presentar tu trabajo), pero el proceso es puramente intuitivo, es decir, que no me planteo la razón ni el significado, sino que hago lo que se me ocurre para “ver lo que pasa”.

M.- ¿Consideras tu trabajo como "arte social", "arte político"?
Se podría ver como arte social o crítica social, pero no es mi intención ni mi objetivo.

M.-Las imágenes en tus últimas obras son menos sutiles, los colores son más contundentes, los fondos neutros han desaparecido. Utilizas recursos del cómic, del graffiti..., ¿te has vuelto más agresiva?

¿Más colorista quizá? Mi tendencia en estos momentos es trabajar en instalación con formas y colores contundentes, desde luego la sutileza la he dejado atrás hace tiempo….

M.- Los paisajes de la calle se han colado en tus obras más recientes? Son retazos urbanos, gritos inconformistas...,¿ha sido un proceso consciente?

Ha sido un proceso inconsciente, de pura absorción. No es lo mismo pasear por un entorno conocido que andar por otros sitios que tienen unas características diferentes a las que conoces. Por ejemplo, cuando vivía en Belfast el ambiente que se respiraba, lo que había en la calle, esos pequeños detalles en los que no te fijas si los ves todos los días, se colaban en mi proceso. No sé cómo explicarlo, a veces el ambiente te resulta hostil. El no tener las cosas fáciles o hechas, el enfrentarte día a día a nuevas situaciones en países en donde no se habla tu idioma y donde te tienes que enfrentar a vivencias agradables algunas y desagradables otras, hacen que tu forma de ser cambie y eso se ve reflejado en tu obra. Los estímulos son diferentes. En el pasado trabajaba más en torno a ideas o creencias interiores porque el estímulo exterior era prácticamente nulo. Ahora los cambios constantes de entorno, hacen que el estímulo exterior sea muy potente e influya considerablemente en mi obra.

L.- ¿Qué parte del proceso de creación de tus trabajos considerarías clave de cara a conseguir el resultado deseado?

Necesito un buen material de base. Generalmente comienzo el proceso con fotografías de texturas, graffiti, carteles, señales que he tomado en una ciudad determinada. Esa materia prima me lleva a la construcción de otras imágenes.

L.- Los títulos, ¿son fundamentales para tu obra?
Los construyo a la vez que mi obra dependiendo de lo que pretenda transmitir.

M.- Cuando vuelves a mirar tus primeras obras, ¿percibes que tu trabajo tiene un hilo de continuidad?

Tengo tendencia a la inconformidad y a cambiar de medio. Los temas que trabajaba hace unos años y los materiales son completamente diferentes de los que trabajo ahora y habría que tener mucha imaginación para encontrarles un hilo conductor. La gente cambia, las circunstancias no son las mismas, por lo tanto, la obra necesariamente tiene que cambiar.

L- Recuerdo tus obras de hace años realizadas con volumen: cajas, plásticos coloristas, pelucas gigantes como soportes, etc… Ahora trabajas con superficies planas, ¿no echas de menos los volúmenes?

Sí, es verdad. Trabajaba en tres dimensiones y con objetos encontrados y fabricados. Es curioso, pero no echo de menos ese formato, pertenece a una época en la que me apetecía trabajar de esa manera, pero de algún modo ya no ‘siento’ esa forma de trabajar ni me apetece reiterarme. No creo que pueda extraerle más de lo que le extraje en su momento. Me han preguntado más de una vez que por qué no vuelvo a hacer ese tipo de cosas, pero creo que para evolucionar es necesario desprenderse de cosas que quizá en un momento determinado eran válidas y tenían un público, pero que si se continúa en esa dirección, la forma estética se mantiene, pero la obra se vacía de significado.

L- ¿De cuál de todos tus trabajos te sientes más orgullosa?

No lo sé, nunca se me había ocurrido pensarlo. Tengo especial cariño a algunos trabajos hechos en el pasado, por su cualidad única, pero generalmente me gusta más el proyecto que se me ha ocurrido pero no he hecho todavía.

L.- ¿No echas nunca de menos la pintura?

Lo que quizá echo de menos es el contacto físico con la pintura, el olor y el tacto, pero el campo que ofrece lo digital es tan amplio que desde mi punto de vista no se puede comparar.

M.- Durante los últimos años has colaborado con varios colectivos de artistas en distintas ciudades extranjeras, ¿qué diferencias encuentras con el mundo artístico valenciano?

Creo que se trabaja de manera diferente. Por lo menos en el Reino Unido se le da mucho valor a que sepas hablar sobre tu obra, que la sepas explicar. En muchos casos encuentro que es más fascinante lo que se cuenta sobre la obra que la obra misma. Quizá aquí no se le da tanta importancia a “saber explicar tu trabajo” pero las obras en muchos casos son más viscerales y más interesantes. De todas maneras, lo que sí encuentro diferente es que los artistas en el Reino Unido se agrupan en colectivos, montan organizaciones, crean estudios de artistas para trabajar en comunidad compartiendo experiencias, contactos, exposiciones etc. Creo que en Valencia se podría mejorar en ese sentido, porque somos demasiado individualistas.

L.- ¿Cómo funcionan las ayudas institucionales en los distintos países en los que has vivido? ¿Encuentras más dificultades en tu propio país?

Por así decir, los procesos son diferentes y los proyectos para los que te dan ayudas son también distintos. Encuentro que el proceso de selección en el Reino Unido es más abierto, más sencillo y está al alcance de todos. Se potencian en gran medida las iniciativas individuales siempre y cuando hagas cosas por tu región, como por ejemplo intercambios con artistas de tu ciudad y otro país. También hay una gran cantidad de instituciones de otros países que colaboran con Inglaterra a las que puedes pedir ayudas para la realización de proyectos que incluyan la movilidad de los artistas. Para este tipo de cosas, creo que el Reino Unido es el modelo ideal que se debería seguir en España.
En España el proceso es más cerrado, se funciona todavía dentro de una jerarquía y las cosas están en función de a quién conozcas. Esto no quiere decir que no haya también posibilidades de hacer cosas como la oportunidad que me ofrece la CAM de exponer mi obra en su sala.

L.- ¿Qué proyecto disfrutaste más? ¿Cuál te ha exigido más?

En cuanto a proyectos colectivos, recientemente he organizado con otros artistas un intercambio entre Inglaterra y Finlandia. El proyecto consistía en hacer unas residencias artísticas para trabajar en un proyecto determinado de colaboración y exponer el resultado en Manchester y Helsinki. Creo que ha sido el proyecto más complicado porque involucraba la residencia de 10 artistas de cada país durante dos semanas en cada ciudad. Cuando te planetas un proyecto como éste y lo llevas a cabo, no te das cuenta de la dificultad que lleva la coordinación de tantos artistas durante tanto tiempo.
Entre los individuales, esta exposición es un proyecto que me ha dado mucha satisfacción personal porque las obras han sido realizadas a partir de un proceso muy elaborado y están muy trabajadas.

L.- Has expuesto tu obra en Japón y China. ¿Qué es lo que más te seduce de la cultura asiática?

Varias de las obras que presento en la exposición las realicé durante una residencia artística en Tokio. La base de esa obra fueron las fotos tomadas de los carteles, pancartas y anuncios luminosos de la calle. Me llamó mucho la atención la imaginería visual de los japoneses y me dejé influir por ella.

M- En Valencia, en los últimos años, has participado en numerosos encuentros y exposiciones colectivas, pero hacía tiempo que no exponías individualmente. ¿Cómo has enfocado este proyecto?

Sí, es verdad, en los últimos años he estado más centrada en llevar a cabo proyectos internacionales y de colaboración. He expuesto de manera individual fuera de España, pero hacía tiempo que no exponía en Valencia, en concreto desde el 2004 con la exposición Seducere que hice en Lae.Sferazul, donde introduje por primera vez mi trabajo digital. Durante todo ese tiempo he estado trabajando en obra nueva que no había tenido la oportunidad de exponer, Los procesos son largos y complejos y la realización de una obra o una serie me lleva meses de elaboración, desde la recopilación inicial de material hasta el resultado final. En La Llotgeta muestro gran parte de la obra realizada en los últimos dos años.

Marisa Giménez y Lupe Frígols. Lae.sferazul. 2008

New narratives and iconographic models

2009-05-16T06:04:00.000-07:00

Toni Calderón

The Valencian artist based in Manchester, Ima Picó, broadened her career horizons and gained in experience when working in several residences around the world. Her visual imagery is not just consequence of the appropriation of some specific western urban symbols related to mass communication and media. Ima Picó has been artist-in-residence in Japan, Estonia, Finland, Mexico, Northern Ireland, England and Germany, and these experiences have provided her with an understanding of what Nelson Goodman consider as ways of making the world. She is a dynamic artist who combines her own practice with the coordination of a number of artistic national and international events. This ongoing relationship with several visual artists and global digital environments has a subtle but persistent influence on her work. Ima Picó is an artist of our time, to be more precise, she extracts elements from her multiple experiences that define more accurately the complex visual world we live in. An interest that oscillates between pure aesthetic with a delicate feminine connotation, which is one motivation in her artistic production, and cold, understood as not being part of a plot, a setting or a defined context. Her images and signs are in apparent contradiction, fluctuating between the undisruptive aesthetic attractiveness and the manifested denunciation that appears in many of her works. A dichotomy between discourse and form, that makes its interpretation complex and disturbing.

Throughout the last years, as a critic of art, I had the fortune to observe the working practice of one of our most international artists and to collaborate with her in the coordination of several events and exhibitions. It is admirable to see how her artwork evolves without losing her capacity to synthesise. It is evident that her work is developing towards an increasingly digitisation of the image. The use of light boxes or vinyl is the result of her exploration on new supports. Nevertheless, it is more interesting to observe the progression of the artist from creating individual artworks, in the conventional format, to creating large-scale and complex compositions that cover extensive surfaces. I remember when proposing this project, she considered from the start the idea of "environment", understood as an idea within an entire context, not a mere exhibition in a certain inoffensive space. The fact that the artwork is part of a whole makes it more attractive, because the viewer is introduced into a place that differs from the detached space of a conventional exhibition space. The view and the connection between the artwork and the observer are different. It is not the same to contemplate an image from the distance, than to be in the space where this image is developing and, therefore, where there is a relationship with the spectator. This matter is an element that determines the perception of the artwork.

Recently, the employment of vinyl links her to a new generation of urban artists who have replaced the aerosol for digital media. The creative process loses its freshness to become an elaborated study in the computer. Working on mural-based form, makes her more concerned on the aesthetic aspects in detriment to the concept, which is at this point more subtle. When she started using digital tools, her work was created with simple computer methodologies, as she was more concerned about the realism of the images than the technology itself. Now, in this exhibition or rather this intervention, the figures, signs and ideas have been simplified considerably in the conceptual aspects but not in the visuals.

When making a theoretical analysis of her work we find obvious references to the pop art in the 60s. Ima, as these predecessor artists, includes texts, signs and in particular, elements taken from the popular culture. It is true that all the artists borrowing concepts from the popular culture have a relation with this tendency. However, there is a link between pop art and the work of Ima Picó. In both cases, there is a focus on the incorporation of everyday elements in the artistic realm with an interest of functional detachment. In the work of Ima Picó, however, this process is not that clear and it is evident that the aims are slightly different. Although she includes vignettes, comic like texts, abstraction of forms and incorporation of signs from computer environments, she demonstrates an interest in using an extensive iconography in conjunction with the incorporation of photographic elements. There is a clear symbiosis between the real and the digital, understanding that we are already part of a whole. In an increasingly virtual environment where it is difficult to discern the real from the unreal, where the large-scale publicity is already a reality, she creates a framework of subtle appearance but full of interferences. Once again the communication is the key, the capacity that an artwork has of creating a dialogue between the subject and the observer. The reiteration of weak and non-relevant ideas is part of the past. We are already immersed in a moment where the real and the unreal are intertwined. Information and communication technologies have opened enormous possibilities and above all, we are aware that they are within our reach. At this stage is where artists like Ima Picó are capable of absorbing, defining and indicating, through signals, a language that provides us with an understanding, to a certain extent, of a part of our environment.

We live in an era when new iconographies and narratives related to the advancement of media technology, such as the Internet, encourage the creation of new visual languages capable of generating a new universe of sensations. Nowadays technology is not only an instrument used by artists to express their views about the world surrounding them. Today it is necessary to understand more the role of the new technologies, but above all, we have to realise that they are powerful tools of communication and global connection.

Toni Calderón. 2008

Nuevas narrativas y modelos iconográficos

2009-05-16T06:01:00.000-07:00

Por Toni Calderón.

La artista valenciana afincada actualmente en Manchester, Ima Picó, dispone, en la actualidad, de una carrera artística cimentada en la multitud de experiencias e influencias que tras sus innumerables estancias en otros países ha ido adquiriendo. Su iconografía no es fruto únicamente de la extracción de determinados iconos occidentales de carácter urbano, publicitarios o referidos a determinados medios de comunicación ya que Ima Picó ha trabajado en Japón, Estonia, Finlandia, México, Irlanda del Norte, Inglaterra o Alemania por citar alguna de sus ultimas residencias y de todas estas experiencias ha ido aportando contenidos a su obra que tienen mucho que ver con lo que Nelson Goodman denomina formas de ver o de hacer mundo. Es una artista dinámica, que compagina su propio trabajo con la coordinación de numerosos eventos artísticos nacionales e internacionales. Esta relación continuada con numerosos artistas visuales y entornos cada vez más digitales de todo el mundo también va dejando señales e influencias tenues pero continuadas en su trabajo. No es Ima Picó una persona que viva al margen de su tiempo, más bien está en la dinámica de extraer de sus múltiples experiencias elementos que definan cada vez más y con más exactitud el complejo mundo visual en el que vivimos. Un interés que oscila entre lo puramente estético con un contenido sutil, femenino pues es uno de los motivos formales más presente en toda su producción artística y frío pues no forman parte de una trama, entorno o contexto definido. Sus imágenes y signos están en aparente contradicción, entre lo inocuo de una estética atractiva y la denuncia que en muchas de sus obras es muy perceptible por no decir directa. Una dicotomía entre el discurso y la forma que hacen que la lectura sea compleja e inquietante.

Como crítico de arte he tenido la fortuna de seguir su trabajo a lo largo de estos últimos años y he podido colaborar en diversas coordinaciones de eventos y exposiciones con una de nuestras artistas más internacionales. Es admirable la evolución que tiene su obra sin perder por ello ápice de su capacidad de síntesis. Es cierto que su obra deriva hacia una digitalización de la imagen cada vez más evidente. El uso de cajas de luz o el empleo de vinilos es el resultado de explorar nuevos soportes. No obstante, lo que más llama la atención es el camino que recorre para ir de obras aisladas, de formato convencional, a grupos amplios y complejos que llegan a ocupar enormes superficies. Recuerdo que en la elaboración de este proyecto desde un principio barajó la idea de environment entendido como idea completa de contexto y no tanto de exposiciÛn en un determinado lugar a priori inocuo. El que la obra forme parte de un entorno la hace menos convencional y al mismo tiempo más atractiva pues permite al espectador introducirse en un lugar capaz de escapar del espacio aséptico de una sala de exposiciones convencional. La visión del espectador y la relación con la obra es distinta, no es lo mismo contemplar, con distancia, una imagen, que estar en el espacio donde esta imagen se desarrolla, donde se genera y, por tanto, donde se relaciona con el espectador. Esta cuestión es un elemento determinante en la percepción de la misma.

Últimamente el empleo de vinilo hace que se la relacione con una nueva generación de graffiteros urbanos que han pasado del spray a la digitalización de su obra. Este proceso hace que se pierda la inmediatez del proceso para pasar a ser depositarios de un elaborado estudio dentro del ordenador. Sus murales, en la forma que no en el contenido, hacen que Ima esté, en este momento, más preocupada por los aspectos estéticos que de los contenidos que en estas últimas obras es más tenue. En sus inicios la obra era construida con sencillos programas informáticos, más preocupada por el realismo de sus imágenes pero ahora, en esta exposición, o mas bien habría que decir intervención, las figuras, signos y el contexto se ha simplificado significativamente en sus aspectos más conceptuales que no en los visuales pues el número de elementos que conforman la imagen es más amplio.

Si hacemos un análisis más teórico de su trabajo son evidentes las referencias al pop art de los años 60. Ima al igual que artistas predecesores incluye textos, signos y sobre todo elementos cogidos de la cultura popular. Es cierto que todo aquello que toma elementos de la cultura popular guarda, en la distancia, relación con estas tendencias. No obstante, hay una aproximación significativa entre el pop art y la obra de Ima Picó. En ambos casos se insiste en la incorporación de elementos cotidianos en las escenas artísticas con un interés de desvinculación funcional. En el trabajo de Ima Picó no es tan nítido este proceso y es obvio que los objetivos son ligeramente distintos. Aunque incluye viñetas, textos al modo del comic, abstracción de las formas e incorporación de signos propios de entornos informáticos muestra interés por utilizar una iconografía muy extendida que se conjuga con la incorporación de elementos tomados también de la fotografía. Hay una clara simbiosis entre lo real y lo digital entendiendo que ya formamos parte de un todo. En un entorno cada vez más virtual donde es difícil discernir qué es real y qué es ficción, donde la publicidad a gran escala es ya una realidad, propicia un entramado en apariencia amable aunque pleno de interferencias. Una vez más la comunicación es la clave, es decir, la capacidad que tiene una obra de arte de generar un discurso que proporciona un diálogo, más o menos fingido, entre lo representado y el sujeto que lo observa. Están ya lejos las miradas de complacencia, ajenas, débiles y reiterativas. Estamos ya inmersos dentro de un entorno en un momento decisivo donde la realidad y lo imaginado empiezan a entrecruzarse. Hemos asumido las posibilidades desmesuradas de comunicación y, sobre todo, somos conscientes de que están a nuestro alcance. En este escenario es donde artistas como Ima Picó son capaces de absorber, definir y concretar, a través de signos, un lenguaje que nos posibilita entender, en cierta manera, parte de lo que nos rodea.

Asistimos a un tiempo en el que las nuevas iconografías y las nuevas narrativas relacionadas fundamentalmente con el desarrollo de los nuevos medios, tales como internet, propician la creación, a través de estas herramientas, de unos lenguajes visuales capaces de aportar un nuevo universo de sensaciones. Ahora el medio no es sólo la herramienta que utiliza el artista para expresar una determinada forma de ver lo que le rodea. Hoy en día es necesario el conocimiento de las nuevas tecnologías tanto en su vertiente funcional como, sobre todo, hay que ser consciente de que son unos potentes medios de comunicación y relación global.

Toni Calderón 2008

Revista Calle 20 - Mayo 2009

2009-05-04T05:32:00.000-07:00

Revista Calle 20

Ima Picó participa en Heavy Duty

2009-04-29T22:33:00.001-07:00

WORKS BY

Cecilia Biagini, Rafael Bueno, Juanli Carrión,

Damien Catera, José Luis Cueto, Michelle Forsyth,

Cristina Ghetti, Jorge López, Walter Markham, Jaume Marco,

Elias Perez, Ima Pico, Nuria Rodríguez, Sergio Zavattieri.

CURATED BY

Cristina Ghetti and Todd Rosenbaum.

MAY 9 FROM 6 TO 9 PM

La zona Red Hook Art Show.

127 Coffey street (beteewn Conover St & Van Brunt St.) Red Hook Brooklyn 11231

Ima Picó participa en Beautiful Freak

2009-03-06T01:48:00.001-08:00

Lebón 19
46023 Valencia
España

Inauguración jueves 5 de marzo a las 20.00h

Artistas participantes:
Carlos Cid (ES), Jorge López (AR), Filippos Tsitsopoulos(GR), Daniel Reyes (CL), Volkan Diyaroglu (TR), Abraham Martínez (ES), Federico Lupo (IT), Cristian Peralta (AR), Leonardo Gutiérrez (CU), Greta Alfaro (ES), Juan Jose Martin Andres (ES), Jorge Carla (ES), Violeta Esparza (ES), Sergio Zavattieri (IT), Sergio Luna (ES), David Latorre (ES), Oliver Johnson (UK), Ima Picó (ES), Nacho Ruiz (ES), Rafael Molina (ES), Linda Randazzo (IT)

Coordinado por: Sergio Zavattieri, Jorge López y Toni Calderón. Forja Arte Contemporáneo, Valencia.

La muestra colectiva que se presenta en Grupo Forja. Ideas Creativas de Comunicación tiene por objetivo dar una visión amplia, global y diversa de la creación artística más innovadora. Beautiful Freak está concebida como una experiencia que aglutina a creadores emergentes con carreras ya consolidadas, en un momento en el que los discursos ya no están predefinidos, donde la técnica y las disciplinas no se acotan o delimitan como en el pasado. El arte más actual se presenta en soportes muy distintos: pintura, fotografía, imagen digital, instalación, escultura o video por citar algunos de los presentes en esta exposición. Un conjunto de obras de artistas vinculados a una forma de gestionar muy peculiar como es la de Forja Arte Contemporáneo que dispone de un espacio que no es una galería convencional pues está configurada como una espacio de proyectos. Un lugar multidisciplinar, polivalente, donde también tiene cabida la performance, la moda, las artes escénicas, el cine y, sobre todo, todas las experiencias vinculadas a las nuevas tecnologías.
La belleza de la diferencia entendida como sensibilidades desiguales que tanto tiene que ver con la cultura donde se desarrolla cada una de ellas. En un momento, en un entorno social, político y por qué no económico donde ya han desaparecido los lenguajes homogéneos y ya no son tan determinantes los procesos o lenguajes de las pequeñas minorías.

Toni Calderón 2009

CV

2009-03-06T01:37:00.000-08:00

IMA PICÓ

Born in Valencia (Spain)
Lives and works in Manchester.

EDUCATION
Five years Degree in Fine Arts (Painting Specialism). Polytechnic University of Valencia. Spain.1990

RESIDENCIES

2011

Art&research residency at Studio XX. Montreal, Canada.

2010-2011

Selected for the Artists Access to Art Colleges Scheme, (hosted by Manchester Metropolitan University)

2010
Art Residency at Sarai, Programme of the Centre for the Study of Developing Societies (CSDS). New Delhi. India

2008
Art residency at the Cable Factory, Puristamo. Swap/Vaihto. Finnish-English artists’ exchange. Helsinki. Finland.
2007-2008
Selected for the Artists Access to Art Colleges Scheme, (hosted by Salford University)
Resident artist at the Estonian Artists Association. Tallinn. Estonia.
2006
Art Residency. DAS, Digital Art Studios. Queen Street Studios. Belfast. Northern Ireland.
Artist resident at Queen’s Street Studios. Belfast. Northern Ireland. 2003-2006
2005
Art Residency. Arthouse Tacheles. Berlin. Germany.
Art Residency. Youkobo Art Space. Tokyo. Japan.
2000
Art Residency. The Curfew Tower Cushendall, County Antrim, Northern Ireland.
1993
Quincena de Montesquiu. Art residence. Barcelona. Spain.

SOLO EXHIBITIONS

2011

Ludus. Mural Intervention. Gnomo. Valencia, Spain

2010

Advertise Here_ Leeds College of Arts. Leeds, England

2009

splash!!! Sala Lametro, Valencia, Spain
Stickers. projektraum schwarz. Berlin. Germany
Overflow. Milton Keynes Contemporary – WHITEWALL. Milton Keynes. England
Saturation. Solo show. Aula CAM La Llotgeta. Valencia. Spain.
2008
Work in Progress. Borland Gallery. Salford University. Salford. UK.
Mapping the Surface. Arsloca. Gandía. Spain.
2005
Sense of Displacement. Engine Room Gallery. Belfast. Northern Ireland.
2004
Seducere. The Queen Street Studios Gallery. Belfast. Northern Ireland.
Seducere. Lae.SFERAZUL. Gallery. Valencia. Spain.
1995
Fragilidad. Lae.SFERAZUL. Gallery. Valencia. Spain.
Domésticos. Casa de la Cultura de Mislata. Valencia. Spain.
1994
Dibujos y esculturas. Institut de la Dona. Valencia. Spain.
Esta misma parte. Purgatori Gallery. Valencia. Spain.

SELECTED GROUP EXHIBITIONS
2011

Grafika. 30 Artistas de la España Joven. Sede del Instituto Cervantes, Madrid, Spain

Artistainvitartista. Villa Eugenia Cultural Centre. Godella, Spain

Cartografías de la Creatividad. Centro de Desarrollo de las Artes Visuales de la Habana, Cuba

Grafika. 30 Artists from the Young Spain. Instituto Cervantes, Burdeos, France

AA2A Artists in Residency Exhibition. Manchester Metropolitan University. UK

Keeping afloat. Studio 75. London, UK

Exhibition FGV Collection. Lametro, Valencia, Spain

Grafika. 30 Artists from the Young Spain. Villa Audi. Beirout, Lebanon

Ospite inatteso. Tamargo Films. Buenos Aires, Argentina

Grafika. Urban Art. Jordan National Gallery of Fine Arts. Amman, Jordania

2010
Cartografías de la Creatividad. Museo de Arte Moderno de Santo Domingo. Dominican Republic

S.LOW. One day exhibition. (S.LOW Projekt). 91mQ Art Project Space. Berlin. Germany
Artista Invita Artista. Spazio Museale di Palazzo Tornielli, Ameno. Italy.
Common Ground exhibition 2010. A & I Gallery. Los Angeles, California
universal shipping box Berlin. projektraum schwarz. Berlin. Germany
Interventions, Sede Balcarce, CCEBA, Centro Cultural de España en Buenos Aires. Argentina
universal shipping box Buenos Aires. Jardin Luminoso Gallery. Buenos Aires, Argentina

Cartografías de la creatividad. Cien por cien valencianos. Centro del Carmen. Valencia. Spain

Heavy Duty. Encuentros transmigratorios entre artistas de Nueva York, Valencia y Paris. Sala Quart Jove. Quart de Poblet. (Valencia). Spain
2009
Transfer Lounge. Spain-U.S.A artists’ exchange. Forja ArteContemporáneo, Valencia, Spain
Transfer Lounge. Spain-U.S.A artists’ exchange. SPACE, Pittsburgh, USA
Irresistible District. Namastic Art Collective. Building Number 5 of Suvilahti area. Helsinki. Finland
Heavy Duty. Encuentros transmigatorios entre artistas de Nueva York, Valencia y Paris. Fondation Argentine, Cité Internationale Universitaire, Paris, France
Heavy Duty. Encuentros transmigatorios entre artistas de Nueva York, Valencia y Paris. La Zona Red Hook Gallery, New York, USA.
Beautiful Freak. Forja ArteContemporáneo. Valencia. Spain.
Prospero’s Library. Accademia di Belle Arti. Palazzo Vanasco. Catania. Italy.
2008
Screening Program. International Forum Art Tech Media Cordoba-08. Spain.
Common Ground Collection Touring Exhibition. Haun Tie Art Museum. Beijing, China.
127th Annual Royal Ulster Academy Exhibition. Titanic Drawing Offices. Belfast. Northern Ireland.
Swap/Vaihto. Finnish-English artists’ exchange. The Cable Factory. Puristamo Gallery. Helsinki. Finland.
Swap/Vaihto. Finnish-English artists’ exchange. Bureau Gallery. Salford. UK
Out of Time. Axel Lapp projects. Berlin. Germany.
The immaterial body. Huuto Gallery. Helsinki. Finland.
2007
The Family. Spanish-Finnish artists’ exchange. Maa Tila Gallery. Helsinki. Finland.
The Family. Spanish-Finnish artists’ exchange. Nunes gallery and Art and Design gallery. Helsinki. Finland.
Prosperos’ Library, Moscow Open Book Fair. Central House of Artists, Moscow, Russia.
The Family. Spanish-Finnish artists’ exchange. La Sala Naranja. Valencia. Spain.
Things we might have missed. Golden Thread Gallery. Belfast. Northern Ireland.
Intersections: Japan-Northern Ireland artists’ exchange. Queen Street Studios. Belfast. Northern Ireland.
2006
Desafíos. Kanazawa Citizen’s Art Centre. Kanazawa. Japan.
Intersections: Japan-Northern Ireland artists’ exchange. Youkobo Art Space. Tokyo. Japan.
From Belfast with love. Dunedin Fringe Festival. New Zealand.
Through our eyes: Belfast/New York Exchange. The Painting Centre. New York. USA.
Art in Evolution. Espacio Carmen. Valencia. Spain.
Digital Art Studio Showreel. Queen Street Studios. Belfast. Northern Ireland.
Art Wave Exhibition. Belfast City Hall. Northen Ireland.
2005
Plot.@rt.europa. Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Roma. Italy.
Plot.@rt.europa. Castello. Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea. Genazzano, Italy.
Observatori. 6th Festival of Artistic Investigation. Cuidad Artes y Ciencias. Valencia. Spain.
Plot.@rt.europa. Blanca Soto Gallery. Madrid. Spain.
Summer Exhibition. Engine Room Gallery. Belfast. Northern Ireland.
Complementos y Artificios. Club Playboy Valencia. Spain.
No topless bathing. 20 Northern Ireland based artists. La Sala Naranja Gallery. Valencia. Spain.
Obra reciente. La Sala Naranja Gallery. Valencia. Spain.
Post-Patético. La Sala Naranja Gallery. Valencia. Spain.
2004
Telégrafo. Four Northern Ireland based artists at Formiguer Gallery. Castellón. Spain.
Colonización: a Northern Irish-Mexican artist Exchange. Fábrica de Imágenes, Morelia. Mexico.
Things we did and didn’t do: a Northern Irish and Mexican artist Exchange. Arttank Gallery and Queen Street Studios Gallery. Belfast. Northern Ireland.
Artists Group Exhibition. Engine Room Gallery. Belfast. Northern Ireland.
Diez años, diez. Lae.SFERAZUL. Sala Parpalló. Valencia. Spain.
The Figure and the Face. Orleans House Gallery. Twickenham. UK.
The Art of Love. Arndean Gallery. London. UK.
2003
Labyrinth of Light. Zone Zero 10th anniversary. Centro Nacional de las Artes. Mexico D.F.
Objectified. The Queen Street Studios Gallery. Belfast. Northern Ireland.
Séisear Ban (Six Women). An Gailearí. Ceardlann na gCroisbhealach. Fál Carrach.Donegal. Ireland.
Traditions: The Blessing and The Curse. Woman Made Gallery. Chicago.
Digitalis 2, The Spiritual in Digital Art. Evergreen Cultural Centre. British Columbia. Canada.
2002
Pixxelpoint. International Computer Art Festival. Nova Gorica, Slovenia.
Artistas Esfera. Palacio de Echeveste. Valencia. Spain.
1999
Partida de Damas. San Pio V, Museo de Bellas Artes. Valencia. Spain.
Nos Mudamos. Lae.sferazul Gallery. Valencia. Spain.
Lengua de Trapo. Catalyst Arts, Belfast. Northern Ireland.

TWO PERSON EXHIBITIONS
2000
En el Umbral. Collaboration project with Ruth Jones. Lae.SFERAZUL. Valencia. Spain.
1997
Galería de Muñecas. Dirección General de la Mujer. Castellón. Spain.
1994
El ojo ajeno. Sala de Exposiciones del Ayuntamiento. Alicante. Spain.
1993
Dos ideas distintas por diferentes miradas. J. Municipal “Ciutat Vella”. Valencia. Spain.

COMMISSIONS
2008
Discoteca Mya. Vinyl installation on a wall. Valencia, Spain

COLLECTIONS
Arts Council of Northern Ireland.
‘In you we trust’ Northern Ireland.
Edgar Neville Municipal Gallery, Spain.
Private collections in Spain and Ireland.

Artificial _scape (II)

2009-03-05T10:42:00.001-08:00

Artificial _scape (II) is a light box made for the exhibition Saturation, curated by Toni Calderón and exhibited in January-February 2009 in Aula CAM La Llotgeta, Espai d'Art, sited in Pl. del Mercado, 4, Valencia, Spain.

Artificial _scape (II) es una caja de luz hecha para la exposición Saturation, comisariada por Toni Calderón y expuesta en enero-febrero del 2009 en el Aula CAM La LlotgetaEspai d'Art, Pl. del Mercado, 4, Valencia.

Artificial _scape (II)
Light box. Year 2009
Dimensions: 8m x 90 cm

Manipulation

2009-03-05T10:41:00.000-08:00

Manipulation is a mural printed on methacrylate made for the exhibition Saturation, curated by Toni Calderón and exhibited in January-February 2009 in Aula CAM La Llotgeta, Espai d'Art, sited in Pl. del Mercado, 4, Valencia, Spain.

Artificial_scape(2) es mural impreso en metacrilato hecho para la exposición Saturation, comisariada por Toni Calderón y expuesto en enero-febrero del 2009 en el Aula CAM La LlotgetaEspai d'Art, Pl. del Mercado, 4, Valencia.

Manipulation
Mural.
Dimensions: 1 m x 6 m.

Ima Picó participa en Prospero's Library

2009-03-02T11:38:00.000-08:00

27/28 /Febbraio 2009 Palazzo Vanasco
Accademia di Belle Arte, Catania, Italia

PROSPERO’S LIBRARY OR THE ELEMENTS AND ORIGIN OF MYTHS
Mostra di libri d’artista

Saturation - Reseñas en prensa

2009-02-04T05:38:00.000-08:00

SATURATION
Ima Picó

Del 15 de enero 2008 al 18 de febrero de 2009
Inauguración: 15 de enero a las 20:00 h.

Comisario: Toni Calderón

Aula CAM LA LLOTGETA
Espai d'Art
Pl. del Mercado, 4.
46002
Valencia

Saturation

2009-01-18T04:37:00.000-08:00

Views of the installation Saturation curated by Toni Calderón and exhibited in January and February 2009 in Aula CAM La Llotgeta, Espai d'Art, sited in Pl. del Mercado, 4, Valencia, Spain. SATURATION is a mural composed by 18 images printed on vinyl, laminated and mounted on foamix. Dimensions: 9 metres x 2 metres. This work was commissioned by Aula CAM La Llotgeta.

Vistas de la instalación Saturation, comisariada por Toni Calderón y expuesta en enero-febrero del 2009 en el Aula CAM La LlotgetaEspai d'Art, Pl. del Mercado, 4, Valencia. SATURATION es un mural compuesto por 18 imágenes impresas en vinilo, laminadas y montadas en fórex. Dimensiones: 9 metros x 2 metros.

SATURATION
Mural. Year 2009
Dimensions: 9 m x 2 m.

Solo Exhibition SATURATION

2008-12-15T02:08:00.000-08:00

Ima Picó es una artista visual valenciana residente en Manchester. Su obra reciente explora la saturación mediática a través del uso de la fotografía y la manipulación digital. Su trabajo consiste en la creación de instalaciones site-specific a gran escala. Ha expuesto a nivel internacional en galerías y museos y ha organizado intercambios con artistas de diferentes regiones de Europa, América y Asia. Ima Picó ha obtenido diversos premios en el Reino Unido, entre los que se incluyen residencias artísticas y ayudas para la realización de exposiciones e intercambios artísticos entre el Reino Unido y otros países.

Este trabajo explora la saturación mediática en nuestra cultura contemporánea y la devaluación de la información. El entorno urbano que habitamos está desbordado de signos de información, comunicación visual y glorificación de la tecnología. Mi trabajo manipula y exagera estas formas y texturas tomadas de nuestra cultura visual con la intención de construir imágenes que expresen una sensación de colapso.

Ima Picó 2008

Limited edition prints-Whiteroom Gallery, Sheffield

2008-12-09T06:25:00.000-08:00

Whiteroom Gallery has produced in exclusivity a series of 4 triptych images from the original work ‘Saturation’. The total edition of each original in A1 format is a limited edition of 30. This edition is signed by the artist, numbered and embossed by the Whiteroom Gallery. If you are interested in purchasing any of the prints, please contact the gallery:
info(at)whiteroomgallery.co.uk

Whiteroom Gallery ha producido en exclusividad 4 trípticos extraidos de la serie original Saturation. La edición total de cada imagen en formato A1 es una edición limitada de 30. Cada una de las obras está firmada por la artista, numerada y marcada en relieve con el logo de Whiteroom Gallery. Si estás interesado en adquirir alguna de las imágenes, por favor contacta la galería en:
info(arroba)whiteroomgallery.co.uk

Saturation 1
Dimensions: 75 x 25
Date of creation: 2008
Limited edition of 30, signed by the artist,
numbered and embossed by the Whiteroom Gallery.
Price: £95,00

Saturation 2
Dimensions: 75 x 25
Date of creation: 2008
Limited edition of 30, signed by the artist,
numbered and embossed by the Whiteroom Gallery.
Price: £95,00

Saturation 1
Dimensions: 75 x 25
Date of creation: 2008
Limited edition of 30, signed by the artist,
numbered and embossed by the Whiteroom Gallery.
Price: £95,00

Saturation 4
Dimensions: 75 x 25
Date of creation: 2008
Limited edition of 30, signed by the artist,
numbered and embossed by the Whiteroom Gallery.
Price: £95,00

Participation in the Screening Program. International Forum Art Tech Media Córdoba-0.8

2008-11-24T06:19:00.000-08:00

Ima Picó is participating in the Screening Program of the International Forum Art Tech Media Cordoba-08.

ART TECH MEDIA is a Meeting Platform for all sectors linked to art and new media for reflecting upon, analysing and debating across disciplines for the preparation of proposals related to cultural policy, coordination and optimisation of resources, artistic production and research and their promotion at a global level. www.artechmedia.net

Ima Picó participa en el Screen Program del Foro Internacional Art Tech Media Córdoba-08.

ART TECH MEDIA es una organización cultural internacional sin ánimo de lucro entre cuyos fines se encuentran la creación, organización, promoción y dirección de diferentes eventos para el desarrollo de las Artes y la Cultura Digital, al objeto de impulsar y fortalecer la alianza entre Arte, Ciencia, Tecnología, Innovación y la Sociedad para el debate transversal, la reflexión y la elaboración de propuestas y contenidos mediante software de código abierto, que incidan positivamente en la creación de la Sociedad del Conocimiento. www.artechmedia.net

The Common Ground Collection

2008-10-17T02:19:00.001-07:00

Ima Picó has been invited to participate in the 2008 Common Ground Collection that will premier in Beijing at the Huan Tie Art Museum. The opening reception will include works from renowned artists from over 40 countries, a special selection of 20 gifted Chinese artists, and screenings of several innovative films, all with works focused on the environment. Common Ground is a global, cross-cultural event bringing people together through the arts and support for the environment.

Ima Picó ha sido invitada a participar en 2008 Common Ground Collection que se inaugurará en Pekín en el Huan Tie Art Museum. La exposición incluirá trabajos de artistas de más de 40 paises, una selección especial de 20 artistas chinos y proyecciones de películas innovadoras sobre el tema del medio ambiente. Common Ground es un evento global y cultural que reune gente a través de las artes y el medio ambiente.

Stickers

2008-10-07T06:25:00.000-07:00

Through this series of digital images I am exploring patterns and forms of the underground culture. At the same time they are an examination of the disposable mass media culture of our contemporary built environment.

En esta serie de imagenes digitales, investigo con formas y diseños tomados de la subcultura contemporánea. Estas obra intenta ser una exploración de la cultura medíatica desechable de nuestro entorno urbano.

Sticker 001. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 002. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 003. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 004. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 005. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 006. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 007. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

Sticker 008. Dimensions print: 84cm x 59 cm. Dimensions vinyl: 160cm x 120cm.

STICKERS. Installation view.
Dimensions: 160 cm x 140 cm each.
Year: 2009

Participation in the Royal Ulster Academy Annual Exhibition 08

2008-10-06T03:53:00.000-07:00

Ima Picó has been invited to take part in the Royal Ulster Academy Exhibition 08. The Royal Ulster Academy’s 127th Annual Exhibition will take place from 19 September to 19 October 2008 in The Former Drawings Offices of Harland and Wolff Shipyard, Belfast. These are the offices where the Titanic was conceived and designed. More info: http://rua.webcorona.com/

Ima Picó forma parte como artista invitada de la exposición de la Royal Ulster Academy 08, inaugurada el 19 de septiembre. La exposición estará abierta hasta el 19 de octubre y la sede son las antiguas oficinas de Harland and Wolff, situadas en el puerto de Belfast, en donde se concibió y se diseñó el Titanic. Más información: http://rua.webcorona.com/

Artificial _scape (I)

2008-10-06T03:26:00.000-07:00

ARTIFICIAL _SCAPE (I) is a digital mural printed on adhesive vinyl. This mural was a commission for the private club MYA situated in Valencia, Spain. The complete mural is composed by 21 images of 100cm x 100cm. each. Total dimensions are 700 cm wide by 300 high. This work can be adapted to different measures depending on the surface. It is a limited edition of 5.

ARTIFICIAL _SCAPE (I) es un mural digital impreso en vinilo adhesivo. Este mural fue un encargo del club privado MYA, situado en la Terraza Umbracle de Valencia, España. El mural completo está compuesto por 21 imágenes de 100cm x 100cm cada una. Las dimensiones totales son 700 cm de ancho por 300 cm de alto. Esta obra se puede adaptar a otras dimensiones, dependiendo de la superficie. Es una edición limitada de 5.

Photo below / Foto abajo: Luis Montolio

ARTIFICIAL _SCAPE (I)
Installation
Dimensions: variable.
Year: 2007

ARTIFICIAL _SCAPE (I)
Digital image

Keep Out

2008-10-03T04:50:00.000-07:00

KEEP OUT is a digital mural printed on adhesive vinyl. This mural was a commission for the private club MYA in Valencia, Spain. It is composed by 18 images of 107cm x 107cm. each. Total dimensions are 749 cm wide by 214 high. This work can be adapted to different measures depending on the surface. It is a limited edition of 5.

KEEP OUT es un mural digital impreso en vinilo adhesivo. Este mural fue un encargo del club privado MYA, situado en la Terraza Umbracle de Valencia, España. Está compuesto por 18 imágenes de 107cm x 107cm cada una. Las dimensiones totales son 749 cm de ancho por 214 cm de alto. Esta obra se puede adaptar a otras dimensiones, dependiendo de la superficie. Es una edición limitada de 5.

Photos below / Fotos abajo: Luis Montolio

KEEP OUT
Digital mural
Dimensions: variable.
Year: 2007

KEEP OUT
Digital image

Mapping the Surface

2008-10-03T02:47:00.000-07:00

Mapping the Surface is an exploration of the issue of identity as it relates to place. To create this artwork Ima Picó used a mixture of digital imaging and the tangible qualities of painting in the form of graffitis. This work was exhibited in Observatori 05 Valencia, Mitos - Idolos - Híbridos, as part of the event organised by La Sala Naranja. The mural is composed by 24 images of 100cm x 100cm. each. Total dimensions are 600 cm wide by 400 cm high. This work can be adapted to different measures depending on the surface. It is a limited edition of 5.

Mapping the Surface explora la identidad en relación con el lugar. La obra está creada a partir de una mezcla de imagen digital y de texturas extraidas de graffitis. Este trabajo se expuso en Observatori 05 Valencia, Mitos - Idolos - Híbridos, como parte de un evento organizado por La Sala Naranja. El mural completo está compuesto por 24 imágenes de 100cm x 100cm cada una. Las dimensiones totales son 600 cm de ancho por 400 cm de alto. Esta obra se puede adaptar a otras dimensiones, dependiendo de la superficie. Es una edición limitada de 5.

MAPPING THE SURFACE

Installation
Dimensions: 6m x 4m.
Year: 2005

MAPPING THE SURFACE
Digital image

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